PROGRAMA ESPECIAL DEDICADO AL REPASO DE DIVERSOS ESTRENOS.
AQUI VA UN POCO DE INFORMACION SOBRE DIVERSOS GRUPOS DE LOS QUE HEMOS HABLADO EN ESTE PROGRAMA.
- SPEKTRA:
SOLO ES, UN POCO DE ROCK’N’ROLL
..... Así nos dan la bienvenida SPEKTRA a su nuevo trabajo.
Las guitarras afiladas de SPEKTRA irán directas a tu yugular. Rock directo, sin compromisos, sin trampa ni cartón, por sus riffs, su fuerza, sus letras y su sólida y transparente base rítmica. Todo afianzado en los años de experiencia de sus componentes.
Los artífices de este hijo del más puro Rock son Alberto Sánchez, voz; Raul Garcia y Sergio Berrocosa, Guitarras; Adolfo Fernández, Batería; y Javier Diaz, Bajo.
Ya con la primera maqueta cosecharon buenas críticas en los medios (Rock Total, Metalkas, Zona Zero, Mariskal Rock, Heavy Rock, Kerrang) gracias a la mencionada grabación (al igual que el disco producida por Alberto Seara (Savia, Hamlet, Sober, Lujuria, etc.) y a sus aplastantes directos (entonces con Carolina Lobo (ex-My Criminal Psycholovers, ex- Litio) al bajo en sus filas), llegando entre otras cosas a ser ganadores del concurso Granito Rock VII, donde actuaron junto a grupos como Obús y Avalanch. También han acompañado a Estirpe, Savia, Breed 77 etc.
En esta nueva etapa nos presentan 12 temas llenos de estribillos pegadizos, para corear en directo con el brazo levantado, con sentimiento y ritmo mucho ritmo en este nuevo trabajo de los madrileños SPEKTRA.
PARA MAS INFO VISITA:
www.myspace.com/spektrauniverse
- DELAMARCA:
NOTA DE PRENSA:
Tres años han pasado desde que DeLamarca presentaran su debut. Tres años en los que esta banda se ha ganado el puesto de claro referente en la escena nacional. Tres años comprometidos con su trabajo y con aquellos que les siguen. Tres años en los que han recibido reconocimiento del público nacional y foráneo.
Ahora presentan su tercer trabajo. Vuelven con ilusiones renovadas y conservando la frescura que les ha hecho ganarse el cariño de tantos. Porque ante todo DeLamarca es un grupo sin pretensiones, en donde cinco amigos comparten sus inquietudes musicales para elaborar un trabajo personal y sincero. Porque la música es vida y la vida es ironía, su nuevo trabajo, aunque no pasa desapercibido, si es homónimo y casi anónimo.
Sin nombre ni etiquetas, sólo diez cortes que hablan de personas corrientes en un mundo corriente. Música para desnudar las emociones y sobrellevar la rutina. Canciones para celebrar o derribar los recuerdos.
Bajo nuevo estandarte, Electric Chair, en esta ocasión DeLamarca ha contado con Eli Janney (Jet, Garbage, Ryan Adams, Holy Fuck) a los mandos para la mezcla y con Joe Lambert (Animal Collective, Electric Six, Black Crowes) en la masterización.
Nano Cañamares (Batería y Percusión)
Roy Wasercier (Guitarra, Teclados, Programación)
Fernando Pedrajas (Guitarra, Trompeta, Sintes)
Hev Arriols (Voz)
Marta de Abia (Bajo)
PARA MAS INFO VISITA:
www.myspace.com/delamarca
- SARATOGA:
Tete Novoa - Voz
Tony Hernando - Guitarra
Niko del Hierro - Bajo
Andy C. - Batería
PARA MAS INFORMACION:
www.saratoga-agotaras.com
- FITO Y FITIPALDIS:
PAGINA WEB:
www.fitoyfitipaldis.com
- SLAYER:
The Band:
Tom Araya - bass, vocals
Kerry King - guitar
Jeff Hanneman - guitar
Dave Lombardo - drums
SLAYER ANUNCIA QUE EL 3 DE NOVIEMBRE PUBLICA WORLD PAINTED BLOOD, SU 10º ÁLBUM DE ESTUDIO
"Estamos excitados con World Painted Blood”, ha declarado Dave Lombardo, batería de la banda. “Hemos querido hacer algo especial con el diseño del packaging del álbum y hemos trabajado con ideas realmente guapas. Hemos tomado nuestro tiempo para hacerlo muy bien y durante la gira de este verano hemos podido desarrollar estas ideas de la manera que queremos”.
World Painted Blood se publicará el 3 de noviembre en tres formatos diferentes: 1) CD en edición limitada con portadas diferentes. 2) CD+DVD en edición de lujo y 3) Vinilo de 180 gramos de alta calidad. Los datos concretos de estas tres ediciones serán revelados próximamente.
“Esperamos que World Painted Blood guste a nuestros fans tanto como a nosotros”, continúa Lombardo. “La grabación del álbum ha sido una de las mejores y más grandes experiencias que hemos tenido como banda. Hemos estado más unidos componiendo las canciones del disco que en ocasiones anteriores. Hemos trabajado colectivamente, todas las sugerencias y opiniones se han escuchado y considerado, y el compañerismo y la camaradería son la esencia del nuevo álbum”.
+ INFO:
www.slayer.net/es/home
- 037:
GRUPO PARALELO A STRAVAGANZZA Y SUPRA, DEL CANTANTE LEO JIMENEZ.
PAGINA WEB:
www.leojimenez.net
- RAMMSTEIN:
Liebe ist für alle da:
El día 4 de noviembre de 2008, la página oficial www.rammstein.com anunció que el grupo había terminado en Berlín la preproducción del sexto disco y que el grueso de la grabación del mismo empezaría cinco días más tarde en un estudio cerca de San Francisco (California). El 21 de ese mismo mes, se informó de que el primer sencillo saldría durante el verano de 2009 y el álbum, en otoño de dicho año. Además, la banda iniciaría una gran gira cuyo primer concierto tendría lugar el 8 de noviembre en Lisboa y que se prolongaría hasta "bien entrado el 2010". En la web del grupo están anunciadas las fechas de conciertos hasta marzo de 2010. Adicionalmente, en 2010 la banda será cabeza de cartel en los festivales Live! y Skive (2 y 3 de junio, en Dinamarca), Rock am Ring - Rock im Park (4 al 6 de junio, en Alemania), Greenfield y Nova Rock (11 al 13 de junio; en Suiza y Austria, respectivamente).
El día 11 de agosto se lanza el portal de marketing viral Liebe ist für alle da (El amor está ahí para todos), con enlaces a redes sociales como Facebook y Twitter, como parte de la campaña publicitaria. Adicionalmente, varios portales autorizados empiezan a transmitir sus primeras impresiones sobre el nuevo material, tras haberlo escuchado en una exclusiva conferencia de prensa celebrada en Berlín. El 8 de septiembre se anuncia en la página oficial que ese es el título del nuevo álbum (Liebe ist für alle da), a la venta desde el 16 de octubre. El primer sencillo extraído fue "Pussy", canción con una letra de contenido sexual que cuenta con un vídeo dirigido por Jonas Åkerlund con escenas explícitas de sexo.
PAGINA WEB DEL GRUPO:
www.rammstein.de
- SKUNK DF:
-German Gonzalez - Voz, letras, programaciones.
-Pepe Arriols - Bajo, coros.
-Eduardo Brenes - Bateria.
-David Ramos - Guitarras.
-Xavi Igual- Guitarras.
WEB:
www.skunkdf.com
- STREET SWEEPER SOCIAL CLUB:
Street Sweeper Social Club
Mira su rostro, sus gafas y su calva. ¿Le reconoces? Cualquier republicano de Norteamérica le odia y nosotros le adoramos como uno de los guitarristas más influyentes de la música (en el #26 según Rolling Stone) y auténtico revolucionario de la década de los ’90 desde que en el ’92 formara Rage Against The Machine.
Tom Morello (Nueva York, 1964) un Dios de nuestra generación, alumbra otro nuevo proyecto donde una vez más ha sabido reunirse con un cantante que le viene perfecto. Si en su tiempo fue Zack De La Rocha, luego Chris Cornell y Serj Tankian, es ahora Boots Riley quien pone las incendiarias letras en las bases musicales de Tom (que también se encarga del bajo, la batería la toca Stanton Moore). Boots Riley es el cantante de la banda de hip-hop The Coup, quien aunque no haya vendido los 30 millones de discos de Tom, demuestra una versatilidad digna de cantar en cualquier estilo. Que se ande con ojo Zack, el ex vocal de RATM porque a lo mejor Morello ha encontrado a su sustituto perfecto. Su voz es más cálida y menos incendiaria, con una obvia mayor tendencia hacia el rapeado (un estilo de música que el propio Zack adoraba y que en la música de Ratm tenía reflejo).
En SSSC nos presentan once nuevas canciones con las explosiones de riffs características de Tom. Sin ser tan pesados en las bases como RATM ni tan alternativos como Audioslave, en la música de este proyecto hay lugar para diferentes partes, sonando todo más rockero que nunca y con esa mayor
tendencia a los rapeados. Han logrado grabar un single impresionante con, a mi gusto, uno de los mejores solos de guitarra que jamás Tom ha grabado.
Me refiero al tema “100 Little Curses”, del que podéis ver el vídeo abajo. Hay momentos de maravillosa conjunción como en “Clap For The Killers” o “Somewhere In The World It’s Midnight”. Cierran con el pelotazo
“Nobody Moves Til We Say Go”.
Hay veces que es más fácil reconocer a un guitarrista por su sonido y su estilo que a un cantante por su voz. Morello es uno de esos privilegiados que crearon escuela. Street Sweeper Social Club no es sino un curso más. ¿Lo repetirán?
PARA MAS INFORMACION ENTRE EN:
www.streetsweepersocialclub.com
METALEANDO
WEB SOBRE METAL Y HUMOR, COSAS CURIOSAS, FOTOS, MUSICA, NOTICIAS, HUMOR, MUCHO HUMOR, VAMOS TONTERIAS VARIAS, Y METAL A CASCOPORRO. PINCHA EN LA IMAGEN PARA ACCEDER A LA WEB.
miércoles, 2 de diciembre de 2009
lunes, 19 de octubre de 2009
PROGRAMA Nº 31 FOLK METAL
Folk metal
Origenes musicales: Heavy Metal, Folk.
Orígenes culturales: Años 90.
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Teclado, Violin y Flautas.
Popularidad: Europa, sobre todo en los paises nordicos.
Subgeneros: Metal Vikingo, Metal Celta.
Nº 80: "Kid Charlemagne" Steely Dan "Kid Charlemagne"
(1976).
LISTA DE CANCIONES PINCHADAS EN EL PROGRAMA Nº 31:
1 "Hate Dance" - Skiltron.
2 "Death In Fire" - Amon Amarth.
3 "Trollhammaren" - Finntroll.
4 "Sword Chant" - Ensiferum.
5 "As Long As Winds Will Blow" - Falkenbach.
6 "Der Sturm" - Equilibrium.
7 "The Dance Of Victory" - Eluveitie.
8 "Across The Centuries" - Skiltron.
Origenes musicales: Heavy Metal, Folk.
Orígenes culturales: Años 90.
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Teclado, Violin y Flautas.
Popularidad: Europa, sobre todo en los paises nordicos.
Subgeneros: Metal Vikingo, Metal Celta.
El folk metal es un subgénero de metal caracterizado principalmente por una temática letrística propia de la música folk e instrumentos de naturaleza folk. Los temas más comunes son tradiciones de sus pueblos, la naturaleza o batallas épicas entre bandos opuestos.
Características
El folk metal es un subgénero del metal relativamente pequeño y no muy fácil de diferenciar. Su peculiaridad es la influencia de elementos folk sobre una base normalmente metálica, que puede dar paso a la de black metal clásico y en ocasiones death metal.
La temática varía dependiendo la vertiente, ya sea de la tradición tanto vikingo como celta; los instrumentos más comunes suelen ser gaitas, whistles, flautas, acordeones, violines o arpas de boca que acompañan a instrumentos básicos del metal, como la guitarra, la batería, el bajo o el teclado. Algunos ejemplos son la bandas Moonsorrow, Finntroll, Falkenbach, Turisas, Eluveitie, Mägo de Oz o Skiltron.
Subgéneros
Viking Metal
Género similar al folk metal que se centra en temas sobre la mitología y cultura nórdicas. No se suelen utilizar con tanta frecuencia los instrumentos típicos del folk, pero la presencia de teclados y las letras basadas en batallas o dioses hacen de éste un género más épico que el folk metal. Su base puede ser de cualquier tipo de metal, aunque los más comunes son el black metal y el death metal, existen otros tantos como power metal o heavy metal clásico. Algunos grupos son Bathry, Ensiferum, Equilibrium, Moonsorrow, Storm, Mithotyn, Turisas, Thyrfing , Windir, Falkenbach, Amon Amarth, Månegarm,, o Svartsot.
Metal celta
Esta vertiente se concentra en la cultura celta de Europa central y occidental fusionando la musica celta y el folk metal. Los instrumentos típicos por excelencia suelen ser gaitas, flautas, violines, zanfonias... Sus temas tratan con preferencia la mitologia celta o los pueblos antiguos celtas. Al igual que el metal vikingo, la base del celta puede variar, pero es común los que combinan los ritmos celtas con black metal o death metal, en menor escala. Algunos grupos de metal celta son Eluveitie, Cruachan, Aes Dana, Heol Telwen, Bran Barr, Skiltron, Geasa, Lurte, Waylander o Crystalmoors.
Nº 80: "Kid Charlemagne" Steely Dan "Kid Charlemagne"
(1976).
LISTA DE CANCIONES PINCHADAS EN EL PROGRAMA Nº 31:
1 "Hate Dance" - Skiltron.
2 "Death In Fire" - Amon Amarth.
3 "Trollhammaren" - Finntroll.
4 "Sword Chant" - Ensiferum.
5 "As Long As Winds Will Blow" - Falkenbach.
6 "Der Sturm" - Equilibrium.
7 "The Dance Of Victory" - Eluveitie.
8 "Across The Centuries" - Skiltron.
sábado, 10 de octubre de 2009
PROGRAMA Nº 30 FOLK ROCK
Folk rock
Orígenes musicales: Folk americano, Rock & roll.
Orígenes culturales: Mediados de los 1960 en Estados Unidos y Reino Unido.
Instrumentos comunes: Guitarra acústica, Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Instrumentos de cuerda, Sitar.
Popularidad: Alta en Estados Unidos y Europa a finales de la década de 1960.
Folk rock es un género musical, que combina elementos de música folk y la música rock.
En su primera y más estrecho sentido, el término se refiere a un género que surgió en los Estados Unidos y Canadá en torno a mediados del decenio de 1960.
El sonido se resume en apretada armonías vocales y una relativamente "limpia" (efectos y distorsión-free) para instrumentos eléctricos resume en la cadena de doce jangly sonido de los Byrds "guitarrista Roger McGuinn, tal como se utiliza con moderación por George Harrison en 1964 y 1965 .
El repertorio fue preparado en parte de fuentes populares, pero aún más popular de influencia cantautores como Bob Dylan.
Roger McGuinn de los Byrds también ha declarado los Beatles le inspiró a la popular mezcla con la música rock. Allmusic también créditos para los Beatles de fusión con el rock popular en 1964.
Este original directamente folk rock llevado a los distintos, de estilo ecléctico popular eléctricos (alias folk rock británico) por primera vez en finales del decenio de 1960 y por Pentangle Fairport Convención.
A partir de una norteamericana de estilo folk rock, Pentangle, Fairport y otras bandas deliberadamente incorporado elementos tradicionales de la música popular británica.
Al mismo tiempo, en Bretaña, Alan Stivell comenzó a mezclar sus raíces con el bretón y el gaélico escocés y raíces con la música rock.
Muy poco después, Fairport bajista Ashley Hutchings formado Steeleye Span, en colaboración con músicos populares tradicionalistas que desean incorporar a la amplificación eléctrica y, posteriormente, abierta elementos de rock, en su música.
Esto, a su vez, dio lugar a varias otras variantes: la auto-conscientemente Inglés folk rock de la banda Albion y algunos de Ronnie Lane's solo trabajo, y el más prolífico de la actual Celtic de rock, incorporando la música tradicional de Irlanda, Escocia, Cornualles, Bretaña y .
Por lo menos en la primera mitad de la década de 1970, el rock celta, celebrada cerca de las raíces populares, con su repertorio de dibujo en gran medida de la tradicional celta violín, arpa y tubería de melodías tradicionales estilos vocales, pero haciendo uso de la banda de rock de los niveles de amplificación y percusión.
En un sentido más amplio, incluye folk rock más tarde igualmente inspirado géneros musicales y movimientos de Inglés en el mundo de habla (Celtic y su periferia) y, en menor medida, en otros lugares de Europa.
Como sucede con cualquier género, las fronteras son difíciles de definir.
Folk Rock mayo inclinan más hacia el folk o hacia la roca en su instrumentación, de jugar y su estilo vocal, o su elección de los materiales, mientras que el género original se basa en la música de Europa y América del Norte, no existe una clara delimitación de las culturas populares que la música puede se incluirá como influencias.
Sin embargo, el término no suele aplicarse a la música rock enraizado en el blues-basado o de otro tipo de música African American, ni a la música rock con raíces Cajún, ni a la música (especialmente después de 1980) con las organizaciones no Europeos raíces populares, que es más típicamente clasificados como músicas del mundo.
DEFINICION
Los términos Folk Rock o Folk Pop aluden a una corriente musical surgida a mediados de la década de 1960 en la que se combinaban el Folk norteamericano y anglosajón, con el entonces emergente Pop psicodélico.
NACIMIENTO
Esta denominación se popularizó en todo el mundo en 1965, cuando la banda californiana The Byrds grabó una versión de la canción “Mr. Tambourine Man” de Bob Dylan.
En ella, el grupo angelino utilizaba los juegos de voces característicos del pop junto con cristalinas guitarras eléctricas sobre la base de la canción de Dylan.
Este nuevo sonido hizo que el cantautor americano se planteara añadir elementos pop y rock a su música, así, cuando en el festival Folk de Newport en 1965, Bob Dylan utilizó la guitarra eléctrica y una banda de acompañamiento, el público le abucheó clamorosamente.
Hay que recordar que en aquella época, el Folk en EE. UU. era un vehículo para expresar la crítica y el descontento con la sociedad establecida y muy especialmente con la guerra de Vietnam, prueba de ello eran las reivindicativas letras de sus dos máximos exponentes en ese momento: Joan Baez y el propio Bob Dylan.
El público Folk estaba formado fundamentalmente por activistas de izquierda y universitarios progresistas que consideraban al rock y el pop como géneros superficiales y poco comprometidos.
Probablemente estos dos hechos fueron los que marcaron el nacimiento del Folk Rock.
A partir de este momento, muchos artistas provenientes tanto del Folk como del Pop comenzaron también a fusionar ambos estilos convirtiéndose así el Folk Rock en una de las principales influencias del Rock psicodelico , pudiendo considerar a muchos de sus artistas como miembros de ambas corrientes.
PRINCIPALES ARTISTAS:
- Bob Dylan: Es uno de los principales artistas que dieron nacimiento al Folk Rock, sobre todo con sus discos Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited, el cual incluía, la sensacional Like a Rolling Stone, que fue abucheada por el público en el festival de folk de Newport por incluir instrumentos eléctricos.
- The Byrds: Obtuvieron un enorme éxito con su característico sonido basado en la guitarra rickanbaker de doce cuerdas y sus armonías vocales. En el comienzo de su carrera fueron conocidos como "los Beatles americanos". Su sonido derivó desde la evocadora Psicodelia Folk que practicaban en sus primeros discos hasta el Country Rock.
- Love: También procedentes de Los Angeles, contaban en su repertorio tanto con canciones de garage rock como con temas cimentados sobre emotivas guitarras acústicas con delicados arreglos orquestales de fondo. Su deslumbrante disco "Forever Changes" está considerado uno de los discos más importantes de la historia del Rock.
- The Mamas & the Papas: Otra de las piezas fundamentales del Folk Rock de California. Eran un grupo vocal formado por dos parejas que representaba la cara más amable del movimiento hippie. Su sonido se caracterizaba por los juegos de voces chico-chica y, aunque fueron muy populares a mediados de los 60, tuvieron una carrera muy corta.
- Crosby, Stills and Nash and Young: Supergrupo formado por ex-componentes de The Byrds, Buffalo Springfield y The Hollies. Hacían canciones con una fuerte carga política y social que iban desde el Rock Psicodélico hasta el Folk Pop acústico, en las que destacaban sus características armonías vocales.
- Simon & Garfunkel: Fueron una de las mejores y más populares formaciones de Folk Rock. Naturales de Nueva York, grabaron varios discos memorables en los que Paul Simon demostraba su enorme talento compositivo en canciones que la dulce voz de Art Garfunkel terminaba de redondear.
- Donovan: Cantante escocés que comenzó como émulo de Bob Dylan y evolucionó hasta obtener un estilo propio, añadiendo pinceladas de jazz o música hindú a su sonido, dominado por el Folk Pop y el Pop Psicodélico. Fue el primer artista pop en usar el sitar en sus canciones, en las que mezclaba misticismo y sentido del humor, siempre con un toque ingenuo y sin pretensiones que le hacía único.
- Nick Drake: Cantautor británico cuya música no obtuvo repercusión comercial en su momento, aunque con los años muchos artistas alternativos han reconocido su influencia, siendo objeto de creciente culto. Sus canciones tenían un tono confesional y torturado, a las que la cálida voz de Drake y su original forma de tocar la guitarra dotaban de una extraña belleza. Se suicidó en 1974 a los veintiséis años.
- Cat Stevens: cantautor británico con raíces en el folk rock, aunque con toques de jazz y pop en algunos temas, vendió millones de discos a fines de la década de 1960 y principios y mitad de los años 1970. Sus canciones hablaban de romances generalmente, aunque muchas de sus canciones más famosas tratan de paz, armonía interior y de la vida. Moonshadow, Father and Son, Morning Has Broken e Into White son claros ejemplos de ello, su voz y su guitarra con melodías fluidas y armoniosas fueron sin duda gran aporte al Folk rock.
- Dan Fogelberg: Cantante, compositor, instrumentista cuya música se inspira en fuentes tan diversas como la popular, el pop, clásica, jazz, blue grass y música. Falleció en 2007.
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 81: "Beat It" Michael Jackson (1982)
Orígenes musicales: Folk americano, Rock & roll.
Orígenes culturales: Mediados de los 1960 en Estados Unidos y Reino Unido.
Instrumentos comunes: Guitarra acústica, Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Instrumentos de cuerda, Sitar.
Popularidad: Alta en Estados Unidos y Europa a finales de la década de 1960.
Folk rock es un género musical, que combina elementos de música folk y la música rock.
En su primera y más estrecho sentido, el término se refiere a un género que surgió en los Estados Unidos y Canadá en torno a mediados del decenio de 1960.
El sonido se resume en apretada armonías vocales y una relativamente "limpia" (efectos y distorsión-free) para instrumentos eléctricos resume en la cadena de doce jangly sonido de los Byrds "guitarrista Roger McGuinn, tal como se utiliza con moderación por George Harrison en 1964 y 1965 .
El repertorio fue preparado en parte de fuentes populares, pero aún más popular de influencia cantautores como Bob Dylan.
Roger McGuinn de los Byrds también ha declarado los Beatles le inspiró a la popular mezcla con la música rock. Allmusic también créditos para los Beatles de fusión con el rock popular en 1964.
Este original directamente folk rock llevado a los distintos, de estilo ecléctico popular eléctricos (alias folk rock británico) por primera vez en finales del decenio de 1960 y por Pentangle Fairport Convención.
A partir de una norteamericana de estilo folk rock, Pentangle, Fairport y otras bandas deliberadamente incorporado elementos tradicionales de la música popular británica.
Al mismo tiempo, en Bretaña, Alan Stivell comenzó a mezclar sus raíces con el bretón y el gaélico escocés y raíces con la música rock.
Muy poco después, Fairport bajista Ashley Hutchings formado Steeleye Span, en colaboración con músicos populares tradicionalistas que desean incorporar a la amplificación eléctrica y, posteriormente, abierta elementos de rock, en su música.
Esto, a su vez, dio lugar a varias otras variantes: la auto-conscientemente Inglés folk rock de la banda Albion y algunos de Ronnie Lane's solo trabajo, y el más prolífico de la actual Celtic de rock, incorporando la música tradicional de Irlanda, Escocia, Cornualles, Bretaña y .
Por lo menos en la primera mitad de la década de 1970, el rock celta, celebrada cerca de las raíces populares, con su repertorio de dibujo en gran medida de la tradicional celta violín, arpa y tubería de melodías tradicionales estilos vocales, pero haciendo uso de la banda de rock de los niveles de amplificación y percusión.
En un sentido más amplio, incluye folk rock más tarde igualmente inspirado géneros musicales y movimientos de Inglés en el mundo de habla (Celtic y su periferia) y, en menor medida, en otros lugares de Europa.
Como sucede con cualquier género, las fronteras son difíciles de definir.
Folk Rock mayo inclinan más hacia el folk o hacia la roca en su instrumentación, de jugar y su estilo vocal, o su elección de los materiales, mientras que el género original se basa en la música de Europa y América del Norte, no existe una clara delimitación de las culturas populares que la música puede se incluirá como influencias.
Sin embargo, el término no suele aplicarse a la música rock enraizado en el blues-basado o de otro tipo de música African American, ni a la música rock con raíces Cajún, ni a la música (especialmente después de 1980) con las organizaciones no Europeos raíces populares, que es más típicamente clasificados como músicas del mundo.
DEFINICION
Los términos Folk Rock o Folk Pop aluden a una corriente musical surgida a mediados de la década de 1960 en la que se combinaban el Folk norteamericano y anglosajón, con el entonces emergente Pop psicodélico.
NACIMIENTO
Esta denominación se popularizó en todo el mundo en 1965, cuando la banda californiana The Byrds grabó una versión de la canción “Mr. Tambourine Man” de Bob Dylan.
En ella, el grupo angelino utilizaba los juegos de voces característicos del pop junto con cristalinas guitarras eléctricas sobre la base de la canción de Dylan.
Este nuevo sonido hizo que el cantautor americano se planteara añadir elementos pop y rock a su música, así, cuando en el festival Folk de Newport en 1965, Bob Dylan utilizó la guitarra eléctrica y una banda de acompañamiento, el público le abucheó clamorosamente.
Hay que recordar que en aquella época, el Folk en EE. UU. era un vehículo para expresar la crítica y el descontento con la sociedad establecida y muy especialmente con la guerra de Vietnam, prueba de ello eran las reivindicativas letras de sus dos máximos exponentes en ese momento: Joan Baez y el propio Bob Dylan.
El público Folk estaba formado fundamentalmente por activistas de izquierda y universitarios progresistas que consideraban al rock y el pop como géneros superficiales y poco comprometidos.
Probablemente estos dos hechos fueron los que marcaron el nacimiento del Folk Rock.
A partir de este momento, muchos artistas provenientes tanto del Folk como del Pop comenzaron también a fusionar ambos estilos convirtiéndose así el Folk Rock en una de las principales influencias del Rock psicodelico , pudiendo considerar a muchos de sus artistas como miembros de ambas corrientes.
PRINCIPALES ARTISTAS:
- Bob Dylan: Es uno de los principales artistas que dieron nacimiento al Folk Rock, sobre todo con sus discos Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited, el cual incluía, la sensacional Like a Rolling Stone, que fue abucheada por el público en el festival de folk de Newport por incluir instrumentos eléctricos.
- The Byrds: Obtuvieron un enorme éxito con su característico sonido basado en la guitarra rickanbaker de doce cuerdas y sus armonías vocales. En el comienzo de su carrera fueron conocidos como "los Beatles americanos". Su sonido derivó desde la evocadora Psicodelia Folk que practicaban en sus primeros discos hasta el Country Rock.
- Love: También procedentes de Los Angeles, contaban en su repertorio tanto con canciones de garage rock como con temas cimentados sobre emotivas guitarras acústicas con delicados arreglos orquestales de fondo. Su deslumbrante disco "Forever Changes" está considerado uno de los discos más importantes de la historia del Rock.
- The Mamas & the Papas: Otra de las piezas fundamentales del Folk Rock de California. Eran un grupo vocal formado por dos parejas que representaba la cara más amable del movimiento hippie. Su sonido se caracterizaba por los juegos de voces chico-chica y, aunque fueron muy populares a mediados de los 60, tuvieron una carrera muy corta.
- Crosby, Stills and Nash and Young: Supergrupo formado por ex-componentes de The Byrds, Buffalo Springfield y The Hollies. Hacían canciones con una fuerte carga política y social que iban desde el Rock Psicodélico hasta el Folk Pop acústico, en las que destacaban sus características armonías vocales.
- Simon & Garfunkel: Fueron una de las mejores y más populares formaciones de Folk Rock. Naturales de Nueva York, grabaron varios discos memorables en los que Paul Simon demostraba su enorme talento compositivo en canciones que la dulce voz de Art Garfunkel terminaba de redondear.
- Donovan: Cantante escocés que comenzó como émulo de Bob Dylan y evolucionó hasta obtener un estilo propio, añadiendo pinceladas de jazz o música hindú a su sonido, dominado por el Folk Pop y el Pop Psicodélico. Fue el primer artista pop en usar el sitar en sus canciones, en las que mezclaba misticismo y sentido del humor, siempre con un toque ingenuo y sin pretensiones que le hacía único.
- Nick Drake: Cantautor británico cuya música no obtuvo repercusión comercial en su momento, aunque con los años muchos artistas alternativos han reconocido su influencia, siendo objeto de creciente culto. Sus canciones tenían un tono confesional y torturado, a las que la cálida voz de Drake y su original forma de tocar la guitarra dotaban de una extraña belleza. Se suicidó en 1974 a los veintiséis años.
- Cat Stevens: cantautor británico con raíces en el folk rock, aunque con toques de jazz y pop en algunos temas, vendió millones de discos a fines de la década de 1960 y principios y mitad de los años 1970. Sus canciones hablaban de romances generalmente, aunque muchas de sus canciones más famosas tratan de paz, armonía interior y de la vida. Moonshadow, Father and Son, Morning Has Broken e Into White son claros ejemplos de ello, su voz y su guitarra con melodías fluidas y armoniosas fueron sin duda gran aporte al Folk rock.
- Dan Fogelberg: Cantante, compositor, instrumentista cuya música se inspira en fuentes tan diversas como la popular, el pop, clásica, jazz, blue grass y música. Falleció en 2007.
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 81: "Beat It" Michael Jackson (1982)
miércoles, 23 de septiembre de 2009
PROGRAMA Nº 29 EMO
Emo
Orígenes musicales: Hardcore punk, Post-hardcore, Indie rock, Rock alternativo.
Orígenes culturales: Finales de los años 1980 en Washington DC.
Instrumentos comunes: Guitarra, Bajo, Batería.
Popularidad: No muy popular en la década de los 80 y 90, más popular en la década del 2000.
Subgéneros: Screamo.
El emo es un género musical derivado del hardcore punk nacido a finales de los años 80 y que se diferencia de éste por su sonido más lento y melódico.
También está considerado una corriente del rock alternativo.
El término emo es un apócope de emotional hardcore o emo-core y hace referencia a las letras de los grupos del género, caracterizadas por abordar variadas emociones y estados de ánimo, buscando asimismo generar estas mismas emociones en el oyente.
Para lograr una mayor expresividad utilizan en su música cambios de ritmo y crescendos, combinando en una misma canción estallidos de furia heredados del hardcore, con sonidos más apacibles.
Actitud de los grupos emo:
Las bandas emo intentan no hacer música puramente comercial, ya que para ellos tratar de satisfacer a un público mayoritario con música "artificial" o "envasada", sería incompatible con expresar emociones genuinas.
De hecho, tanto los conciertos de estos grupos como sus discos suelen tener precios bajos en comparación con los de otros artistas.
Gran parte de los grupos de emo son contrarios a los artículos de merchandising musical, como camisetas u otros productos para ganar dinero.
Actualmente, el término emo se utiliza para identificar cierta actitud y ciertos patrones estéticos a menudo ajenos a la música emo-core y que no coinciden con el concepto original del término.
HISTORIA
A lo largo de su historia, el emo ha pasado por varias etapas.
A finales de los 80 el término emo se utilizaba para calificar a las bandas de post hardcore de Washington D.C. encabezadas por Fugazi.
A mediados de los años 90, el género siguió los patrones sonoros creados por Sunny Day Real Estate.
Hoy en día, algunas de las bandas más populares de este estilo son Dashboard Confessional, Thursday, Saves The Day, Amber Pacific, Silverstein y Jimmy Eat World.
PRIMERA GENERACION
En su origen, el término emo era usado para describir el sonido de los grupos de post-hardcore de mediados de los años 1980 en la escena de Washington D.C.
Fue definido como emo-core -abreviación de emotional hardcore- por la carga emocional de las letras de estas bandas y por la expresividad y espontaneidad que éstas exhibían en sus conciertos.
El primer disco considerado emo-core fue el álbum de debut homónimo de Rites of Spring en 1985.
En él, el grupo redirigió la pasión y la rabia propias del hardcore hacia temas como la soledad o la añoranza del pasado en lugar de hacia la revolución social como había sido lo común hasta entonces en dicho género.
Otro grupo importante en esta época fueron Embrace, liderados por Ian Mackaye, ex integrante de Minor Threat, grupo que años antes ya había inspirado el movimiento Straight Edge.
En 1987 nació el grupo Fugazi, formado por los líderes de Rites of Spring y Embrace y cuya propuesta consistía en sumar al hardcore influencias de otros géneros como el post-punk o el por entonces incipiente rock alternativo.
Fugazi se convirtieron en el grupo más influyente e innovador del post-hardcore y uno de los mayores referentes del emo.
Otros nombres importantes en este periodo incluyen los de Shudder to Think, 7 Seconds, One Last Wish, Beefeater, Grey Matter, Fire Party y posteriormente Moss Icon. La mayoría de estas bandas grabaron en el sello Dischord Records, propiedad de el líder de Fugazi Ian MacKaye, y muchas de ellas desaparecieron en los primeros años 90.
SEGUNDA GENERACION
A partir de mediados de los años 90 el emo comenzó a diferenciarse del post-hardcore, que por su parte evolucionó recibiendo influencias de sonidos más experimentales como el post rock y el math rock.
Uno de los grupos de Washington D.C. más destacados de la primera mitad de los 90 fue Jawbox, cuya visión del post-hardcore tuvo una gran influencia en los grupos emo posteriores.
Su líder J. Robbins, más tarde en Burning Airlines, llegaría a ser el productor de muchos de ellos.
También otros grupos como Sense Field fueron poniendo los cimientos del emo, pero quienes determinaron el sonido definitivo del género fueron Sunny Day Real Estate con sus dos primeros discos Diary y Sunny Day Real Estate.
El sonido de la banda de Seattle partía del post-hardcore para incorporar influencias del grunge y el indie rock, y se completaba con la apasionada y visceral forma de cantar de su líder, Jeremy Enigk.
El sonido patentado por SDRE, más melódico que el de los grupos de D.C., pronto creó escuela y decenas de bandas siguieron los mismos patrones de los de Seattle.
Los grupos más importantes de este periodo fueron Mineral, Texas Is the Reason, Christie Front Drive, The Promise Ring o Braid.
Esta escena sobrevivió hasta fines de los 90, cuando la mayoría de las bandas se separaron o cambiaron su estilo, bien en una dirección más mainstream o comercial, o bien hacia estilos de más difícil catalogación.
TERCERA GENERACION
A finales de los 90 la escena underground emo había desaparecido prácticamente y el término "emo" estaba todavía siendo aceptado en el mainstream, casi siempre ligado a las pocas bandas supervivientes de los 90, incluyendo a Jimmy Eat World.
Si bien Jimmy Eat World había tocado un estilo emo-core en los principios de su carrera, al tiempo del lanzamiento de su álbum Bleed American, la banda casi había eliminado completamente sus influencias emo tomando una dirección más cercana al mainstream.
Cuando el público comenzó a conocer el término "emo" y supo que Jimmy Eat World estaban asociados con ella, la banda continuó siendo clasificada como tal.
Por ende, los grupos más nuevos que sonaban como Jimmy Eat World y las bandas más melódicas de los tardíos 90 como The Get Up Kids, fueron rápidamente incluidas en ese género.
Desde entonces, el término "emo" cambió para describir una música completamente diferente a la de sus antepasados.
Y, de una manera aún más genérica que en los 90, la palabra vino a designar una gran variedad de bandas, muchas de las cuales tenían muy poco en común, como es el caso de Taking Back Sunday, The Starting Line, Hawthorne Heights, Brand New, Something Corporate, A Static Lullaby, Thursday, Emery, Finch, Saves The Day y The Juliana Theory
El epicentro de la tercera generación cambió también.
Mientras en los 90 sus principales orígenes habían sido California y Arizona, el nuevo movimiento ha cambiado de costa.
La nueva meca del emo son las periferias que bordean la ciudad de Nueva York, Nueva Jersey y Long Island.
La mayoría de las bandas actuales (y subsecuentemente, sus tempranas bases de fans) se originaron en esta región y progresaron hacia el exterior.
En muchos casos las bandas de "new emo" están tratando de dar su propia versión del emo, según sus propios términos.
De cualquier forma, el éxito de unas pocas bandas aparentemente "menos emo", como Dashboard Confessional, trajo un incremento sustancial en el número de detractores del género.
Como resultado de los continuos cambios del emo a través de los años, un serio cisma ha surgido entre quienes prefieren uno u otro período concreto del género.
Aquellos que siguieron al emo-core desde sus inicios son escépticos cuando aparece un nuevo grupo denominado "emo".
Muchos, que reivindican la naturaleza independiente del emo de los 80 y 90, están disgustados por el "secuestro" de la palabra hecho por las empresas discográficas multinacionales para vender una nueva generación de música comercial.
FALSO EMO
Desde el 2000 en adelante, se produjo un cambio en el significado de los términos "emo" y "screamo", siendo estos atribuidos a una nueva ola de bandas que no tenían ninguna relación con lo que hasta el momento era la música emo.
Producto de esto, una nueva escena de "moda emo" vió la luz: estereotipos de auto-mutilación, llantos y las palabras "emo" y "screamo" usadas regularmente pasaron a referirse a bandas pop punk, metalcore, post-hardcore o, simplemente, al rock alternativo en general; entre las bandas más nombradas erróneamente en éste género encontramos bandas como Panda, My Chemical Romance, Panic! at the Disco, Fall Out Boy, 30 Seconds to Mars, From First to Last, The Devil Wears Prada, Underoath, The Used, Alesana, entre otros.
Esto es debido principalmente a los medios de comunicación de la farándula "rockera", revistas y television.
A veces también llamado "popcore", "emobop", "mall emo", "mainstreamo" y "fake emo" (falso emo), por aquella gente "en la onda".
Ninguna de éstas bandas mantiene similitud bajo ningún aspecto con lo que antes se conocía como screamo o emo: ni en cuanto a música, ética, letras, ni estética.
A la revista NME, a veces se le ha atribuido como la responsable de proponer el "screamo" como el nuevo sónido de moda en el año 2003 y para identificar a bandas como Finch o The Used, las cuales no tienen nada en comun.
MySpace, que ofrece perfiles musicales de libre elección, incluye el termino emo en la lista de géneros.
Sin embargo, muy pocas de estas bandas realmente tocan este tipo de música (debido en parte a que algunas de las bandas de emo tradicional, han optado por usar otros géneros para describir su sonido).
SCREAMO
En un extraño giro, el screamo, un subgénero del nuevo emo mucho más crudo, basado más en el hardcore punk puro, llegando a confundirse con este.
En un principio, se definió como "emo violence" o "chaotic emo", hasta que bandas como Saetia, propusieron el termino screamo.
Ha encontrado gran popularidad en años recientes a través de una bandas como Thrice y Glassjaw.
El término "screamo", sin embargo, es usado para describir a un género totalmente diferente en los tempranos 90, y las mismas bandas eran más parecidas al emocore de principios de esa década.
LOS ALBUME MAS REPRESENTATIVOS DEL EMO
En el número 179 de la revista española Rockdelux se publicó una retrospectiva sobre el emo-core donde se eligieron los doce discos más representativos del género.
Estos álbumes fueron los siguientes:
Jawbreaker - Bivouac (1992)
Jawbox - For Your Own Special Sweetheart (1994)
Sunny Day Real Estate - Sunny Day Real Estate (1995)
Christie Front Drive - Christie Front Drive (1996)
Sense Field - Building (1996)
Texas Is the Reason - Do You Know Who You Are? (1996)
The Promise Ring - Nothing Feels Good (1997)
Mineral - End Serenading (1997)
The Get Up Kids - Four Minute Mile (1997)
Knapsack - This Conversation Is Ending Starting Right Now (1998)
The Van Pelt - Sultans of Sentiment (1999)
Jimmy Eat World - Clarity (1999)
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 82: "Walk — Don't Run" The Ventures (1960)
Orígenes musicales: Hardcore punk, Post-hardcore, Indie rock, Rock alternativo.
Orígenes culturales: Finales de los años 1980 en Washington DC.
Instrumentos comunes: Guitarra, Bajo, Batería.
Popularidad: No muy popular en la década de los 80 y 90, más popular en la década del 2000.
Subgéneros: Screamo.
El emo es un género musical derivado del hardcore punk nacido a finales de los años 80 y que se diferencia de éste por su sonido más lento y melódico.
También está considerado una corriente del rock alternativo.
El término emo es un apócope de emotional hardcore o emo-core y hace referencia a las letras de los grupos del género, caracterizadas por abordar variadas emociones y estados de ánimo, buscando asimismo generar estas mismas emociones en el oyente.
Para lograr una mayor expresividad utilizan en su música cambios de ritmo y crescendos, combinando en una misma canción estallidos de furia heredados del hardcore, con sonidos más apacibles.
Actitud de los grupos emo:
Las bandas emo intentan no hacer música puramente comercial, ya que para ellos tratar de satisfacer a un público mayoritario con música "artificial" o "envasada", sería incompatible con expresar emociones genuinas.
De hecho, tanto los conciertos de estos grupos como sus discos suelen tener precios bajos en comparación con los de otros artistas.
Gran parte de los grupos de emo son contrarios a los artículos de merchandising musical, como camisetas u otros productos para ganar dinero.
Actualmente, el término emo se utiliza para identificar cierta actitud y ciertos patrones estéticos a menudo ajenos a la música emo-core y que no coinciden con el concepto original del término.
HISTORIA
A lo largo de su historia, el emo ha pasado por varias etapas.
A finales de los 80 el término emo se utilizaba para calificar a las bandas de post hardcore de Washington D.C. encabezadas por Fugazi.
A mediados de los años 90, el género siguió los patrones sonoros creados por Sunny Day Real Estate.
Hoy en día, algunas de las bandas más populares de este estilo son Dashboard Confessional, Thursday, Saves The Day, Amber Pacific, Silverstein y Jimmy Eat World.
PRIMERA GENERACION
En su origen, el término emo era usado para describir el sonido de los grupos de post-hardcore de mediados de los años 1980 en la escena de Washington D.C.
Fue definido como emo-core -abreviación de emotional hardcore- por la carga emocional de las letras de estas bandas y por la expresividad y espontaneidad que éstas exhibían en sus conciertos.
El primer disco considerado emo-core fue el álbum de debut homónimo de Rites of Spring en 1985.
En él, el grupo redirigió la pasión y la rabia propias del hardcore hacia temas como la soledad o la añoranza del pasado en lugar de hacia la revolución social como había sido lo común hasta entonces en dicho género.
Otro grupo importante en esta época fueron Embrace, liderados por Ian Mackaye, ex integrante de Minor Threat, grupo que años antes ya había inspirado el movimiento Straight Edge.
En 1987 nació el grupo Fugazi, formado por los líderes de Rites of Spring y Embrace y cuya propuesta consistía en sumar al hardcore influencias de otros géneros como el post-punk o el por entonces incipiente rock alternativo.
Fugazi se convirtieron en el grupo más influyente e innovador del post-hardcore y uno de los mayores referentes del emo.
Otros nombres importantes en este periodo incluyen los de Shudder to Think, 7 Seconds, One Last Wish, Beefeater, Grey Matter, Fire Party y posteriormente Moss Icon. La mayoría de estas bandas grabaron en el sello Dischord Records, propiedad de el líder de Fugazi Ian MacKaye, y muchas de ellas desaparecieron en los primeros años 90.
SEGUNDA GENERACION
A partir de mediados de los años 90 el emo comenzó a diferenciarse del post-hardcore, que por su parte evolucionó recibiendo influencias de sonidos más experimentales como el post rock y el math rock.
Uno de los grupos de Washington D.C. más destacados de la primera mitad de los 90 fue Jawbox, cuya visión del post-hardcore tuvo una gran influencia en los grupos emo posteriores.
Su líder J. Robbins, más tarde en Burning Airlines, llegaría a ser el productor de muchos de ellos.
También otros grupos como Sense Field fueron poniendo los cimientos del emo, pero quienes determinaron el sonido definitivo del género fueron Sunny Day Real Estate con sus dos primeros discos Diary y Sunny Day Real Estate.
El sonido de la banda de Seattle partía del post-hardcore para incorporar influencias del grunge y el indie rock, y se completaba con la apasionada y visceral forma de cantar de su líder, Jeremy Enigk.
El sonido patentado por SDRE, más melódico que el de los grupos de D.C., pronto creó escuela y decenas de bandas siguieron los mismos patrones de los de Seattle.
Los grupos más importantes de este periodo fueron Mineral, Texas Is the Reason, Christie Front Drive, The Promise Ring o Braid.
Esta escena sobrevivió hasta fines de los 90, cuando la mayoría de las bandas se separaron o cambiaron su estilo, bien en una dirección más mainstream o comercial, o bien hacia estilos de más difícil catalogación.
TERCERA GENERACION
A finales de los 90 la escena underground emo había desaparecido prácticamente y el término "emo" estaba todavía siendo aceptado en el mainstream, casi siempre ligado a las pocas bandas supervivientes de los 90, incluyendo a Jimmy Eat World.
Si bien Jimmy Eat World había tocado un estilo emo-core en los principios de su carrera, al tiempo del lanzamiento de su álbum Bleed American, la banda casi había eliminado completamente sus influencias emo tomando una dirección más cercana al mainstream.
Cuando el público comenzó a conocer el término "emo" y supo que Jimmy Eat World estaban asociados con ella, la banda continuó siendo clasificada como tal.
Por ende, los grupos más nuevos que sonaban como Jimmy Eat World y las bandas más melódicas de los tardíos 90 como The Get Up Kids, fueron rápidamente incluidas en ese género.
Desde entonces, el término "emo" cambió para describir una música completamente diferente a la de sus antepasados.
Y, de una manera aún más genérica que en los 90, la palabra vino a designar una gran variedad de bandas, muchas de las cuales tenían muy poco en común, como es el caso de Taking Back Sunday, The Starting Line, Hawthorne Heights, Brand New, Something Corporate, A Static Lullaby, Thursday, Emery, Finch, Saves The Day y The Juliana Theory
El epicentro de la tercera generación cambió también.
Mientras en los 90 sus principales orígenes habían sido California y Arizona, el nuevo movimiento ha cambiado de costa.
La nueva meca del emo son las periferias que bordean la ciudad de Nueva York, Nueva Jersey y Long Island.
La mayoría de las bandas actuales (y subsecuentemente, sus tempranas bases de fans) se originaron en esta región y progresaron hacia el exterior.
En muchos casos las bandas de "new emo" están tratando de dar su propia versión del emo, según sus propios términos.
De cualquier forma, el éxito de unas pocas bandas aparentemente "menos emo", como Dashboard Confessional, trajo un incremento sustancial en el número de detractores del género.
Como resultado de los continuos cambios del emo a través de los años, un serio cisma ha surgido entre quienes prefieren uno u otro período concreto del género.
Aquellos que siguieron al emo-core desde sus inicios son escépticos cuando aparece un nuevo grupo denominado "emo".
Muchos, que reivindican la naturaleza independiente del emo de los 80 y 90, están disgustados por el "secuestro" de la palabra hecho por las empresas discográficas multinacionales para vender una nueva generación de música comercial.
FALSO EMO
Desde el 2000 en adelante, se produjo un cambio en el significado de los términos "emo" y "screamo", siendo estos atribuidos a una nueva ola de bandas que no tenían ninguna relación con lo que hasta el momento era la música emo.
Producto de esto, una nueva escena de "moda emo" vió la luz: estereotipos de auto-mutilación, llantos y las palabras "emo" y "screamo" usadas regularmente pasaron a referirse a bandas pop punk, metalcore, post-hardcore o, simplemente, al rock alternativo en general; entre las bandas más nombradas erróneamente en éste género encontramos bandas como Panda, My Chemical Romance, Panic! at the Disco, Fall Out Boy, 30 Seconds to Mars, From First to Last, The Devil Wears Prada, Underoath, The Used, Alesana, entre otros.
Esto es debido principalmente a los medios de comunicación de la farándula "rockera", revistas y television.
A veces también llamado "popcore", "emobop", "mall emo", "mainstreamo" y "fake emo" (falso emo), por aquella gente "en la onda".
Ninguna de éstas bandas mantiene similitud bajo ningún aspecto con lo que antes se conocía como screamo o emo: ni en cuanto a música, ética, letras, ni estética.
A la revista NME, a veces se le ha atribuido como la responsable de proponer el "screamo" como el nuevo sónido de moda en el año 2003 y para identificar a bandas como Finch o The Used, las cuales no tienen nada en comun.
MySpace, que ofrece perfiles musicales de libre elección, incluye el termino emo en la lista de géneros.
Sin embargo, muy pocas de estas bandas realmente tocan este tipo de música (debido en parte a que algunas de las bandas de emo tradicional, han optado por usar otros géneros para describir su sonido).
SCREAMO
En un extraño giro, el screamo, un subgénero del nuevo emo mucho más crudo, basado más en el hardcore punk puro, llegando a confundirse con este.
En un principio, se definió como "emo violence" o "chaotic emo", hasta que bandas como Saetia, propusieron el termino screamo.
Ha encontrado gran popularidad en años recientes a través de una bandas como Thrice y Glassjaw.
El término "screamo", sin embargo, es usado para describir a un género totalmente diferente en los tempranos 90, y las mismas bandas eran más parecidas al emocore de principios de esa década.
LOS ALBUME MAS REPRESENTATIVOS DEL EMO
En el número 179 de la revista española Rockdelux se publicó una retrospectiva sobre el emo-core donde se eligieron los doce discos más representativos del género.
Estos álbumes fueron los siguientes:
Jawbreaker - Bivouac (1992)
Jawbox - For Your Own Special Sweetheart (1994)
Sunny Day Real Estate - Sunny Day Real Estate (1995)
Christie Front Drive - Christie Front Drive (1996)
Sense Field - Building (1996)
Texas Is the Reason - Do You Know Who You Are? (1996)
The Promise Ring - Nothing Feels Good (1997)
Mineral - End Serenading (1997)
The Get Up Kids - Four Minute Mile (1997)
Knapsack - This Conversation Is Ending Starting Right Now (1998)
The Van Pelt - Sultans of Sentiment (1999)
Jimmy Eat World - Clarity (1999)
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 82: "Walk — Don't Run" The Ventures (1960)
viernes, 18 de septiembre de 2009
PROGRAMA Nº 28 DREAM POP
Dream pop
Orígenes musicales: Pop Rock más suave y atmosférico.
Orígenes culturales: Principios de los ochenta.
Instrumentos comunes: Guitarras - Batería - Teclado (opcional).
Popularidad: En América y Europa.
Subgéneros: Pop Rock, Pop, Dance Pop.
Fusiones: Pop Rock, Post-Punk.
Este género musical desciende del Pop y el Pop Rock, pero en un estilo más suave, atmosférico y ensoñador.
Es de la familia del Rock Alternativo/Indie Rock y se caracteriza por guitarras que forman efectos llenos de ecos con pedales especialmente los más usados son el delay y el chorus (este es el caso de los que siguen el estilo Cocteau Twins), o también sin efectos pero con sonidos suaves casi carentes de distorsiones o ruidos abrasivos y con un ambiente meláncolico y triste como en el caso de Galaxie 500, Luna o Ultra Vivid Scene, y por último guitarras acústicas con un sonido ensoñador y ritmo lento como en el caso de Mazzy Star o Belly.
Sintetizadores densos, bajos monótonos al estilo indie, en el primer Dream Pop se presentaba por lo común baterías programadas, pero luego aparecieron bateristas reales donde ejecutan un ritmo pausado y lento al estilo del Britpop.
Las voces por lo común son suaves y respirables y el ambiente lánguido de su música.
Las portadas de los discos en su mayoría reflejan el arte minimalista, donde es muy raro que aparezcan las caras de los artistas ejecutantes y muchas veces reflejan motivos que tienen que ver con cosas propias que uno ve en sus sueños o también cosas que tienen que ver con la naturaleza.
Nace en 1982 con el disco Garlands del grupo escocés Cocteau Twins y el nombre del género deriva de Alex Ayuli del grupo A.R.Kane que llamó así a su música ensoñadora.
El pico del género fue primero de 1989 a 1992 y luego, a comienzos del nuevo siglo cuando Coldplay empezó a utilizarlo en sus discos.
En la actualidad sus máximos exponentes son Elbow, Luna, Cranes y Stina Nordenstam.
Parte del género fueron a parte de los Cocteau Twins; Mazzy Star, Belly, The Chameleons UK, Drugstore, Sugar Plant y Azure Ray.
Su popularidad tanto en el ambiente del rock como en la escena alternativa es mediano.
Sus discos más populares son "Treasure" (1984) y "Heaven or las Vegas" (1990) de los Cocteau Twins, "So tonight that I might see" (1993) de Mazzy Star, "Floating into the night" (1989) de Julee Cruise y "Star" (1993) de Belly.
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 83: "What I Got" Sublime (1996).
Orígenes musicales: Pop Rock más suave y atmosférico.
Orígenes culturales: Principios de los ochenta.
Instrumentos comunes: Guitarras - Batería - Teclado (opcional).
Popularidad: En América y Europa.
Subgéneros: Pop Rock, Pop, Dance Pop.
Fusiones: Pop Rock, Post-Punk.
Este género musical desciende del Pop y el Pop Rock, pero en un estilo más suave, atmosférico y ensoñador.
Es de la familia del Rock Alternativo/Indie Rock y se caracteriza por guitarras que forman efectos llenos de ecos con pedales especialmente los más usados son el delay y el chorus (este es el caso de los que siguen el estilo Cocteau Twins), o también sin efectos pero con sonidos suaves casi carentes de distorsiones o ruidos abrasivos y con un ambiente meláncolico y triste como en el caso de Galaxie 500, Luna o Ultra Vivid Scene, y por último guitarras acústicas con un sonido ensoñador y ritmo lento como en el caso de Mazzy Star o Belly.
Sintetizadores densos, bajos monótonos al estilo indie, en el primer Dream Pop se presentaba por lo común baterías programadas, pero luego aparecieron bateristas reales donde ejecutan un ritmo pausado y lento al estilo del Britpop.
Las voces por lo común son suaves y respirables y el ambiente lánguido de su música.
Las portadas de los discos en su mayoría reflejan el arte minimalista, donde es muy raro que aparezcan las caras de los artistas ejecutantes y muchas veces reflejan motivos que tienen que ver con cosas propias que uno ve en sus sueños o también cosas que tienen que ver con la naturaleza.
Nace en 1982 con el disco Garlands del grupo escocés Cocteau Twins y el nombre del género deriva de Alex Ayuli del grupo A.R.Kane que llamó así a su música ensoñadora.
El pico del género fue primero de 1989 a 1992 y luego, a comienzos del nuevo siglo cuando Coldplay empezó a utilizarlo en sus discos.
En la actualidad sus máximos exponentes son Elbow, Luna, Cranes y Stina Nordenstam.
Parte del género fueron a parte de los Cocteau Twins; Mazzy Star, Belly, The Chameleons UK, Drugstore, Sugar Plant y Azure Ray.
Su popularidad tanto en el ambiente del rock como en la escena alternativa es mediano.
Sus discos más populares son "Treasure" (1984) y "Heaven or las Vegas" (1990) de los Cocteau Twins, "So tonight that I might see" (1993) de Mazzy Star, "Floating into the night" (1989) de Julee Cruise y "Star" (1993) de Belly.
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 83: "What I Got" Sublime (1996).
jueves, 3 de septiembre de 2009
PROGRAMA Nº 27 DOOM METAL
Doom metal
Orígenes musicales: Heavy metal y stoner rock de los años sesenta.
Orígenes culturales: Finales de los sesenta en el Reino Unido.
Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería - Teclados (opcional).
Popularidad: Escasa, especialmente en Europa (Escandinavia, Reino Unido y Alemania) y América (Chile, Perú, Brazil y México)
Derivados: Metal gótico.
Subgéneros: Funeral doom - Drone doom - Stoner doom - Atmospheric doom - Avantgarde doom - Post-doom - Gothic doom - Epic doom.
Fusiones: Stoner - Sludge metal - Death/doom
El doom metal es un subgénero musical del heavy metal.
El término «doom metal» viene a decir "metal del caos" o "metal de la condenación" (condenación es doom en inglés), y es el género más lento, pesado y depresivo del metal extremo, siendo éste además uno de los más oscuros y tenebrosos.
HISTORIA
Inicios del doom metal:
Sus orígenes remontan a los 70's bajo la influencia de Black Sabbath con su álbum del mismo nombre y su segundo álbum Paranoid de donde algunos sugieran nace el nombre del estilo.
Si bien la influencia de Black Sabbath no se limita únicamente al Doom ya que ayuda pero nunca crea el doom metal sino que su influencia se extiende a prácticamente todos los géneros del heavy metal, se le considera definitivamente como la banda por excelencia de Proto Doom, sin embargo son otras bandas las que toman el elemento de Doom de Black Sabbath y lo explotan. En 1971 se funda la pionera del subgénero, Pentagram liderada por Bobbie Liebling, en sus inicios con una marcada influencia de Iron Butterfly y Cream, no es sino hasta 1974, momento en que se une Randy Palmer (Bedemon) que la influencia Doom de la banda británica liderada por Ozzy se manifiesta en Pentagram y deja ver el camino que habría de tomar el nuevo género aún sin nombre.
Consolidando un estilo:
Si bien en los 70's se da el semillero metalero de Doom con bandas como Black Sabbath, Bedemon y Pentagram, es en los ochentas donde se comienza a definir el estilo con bandas como Trouble, Saint Vitus, Witchfinder General, Dream death y Candlemass.
En 1986, la banda de origen sueco, Candlemass lanza la opera prima "Epicus Doomicus metallicus" y por fin se empieza a hablar del doom metal propiamente y nace el epic doom en la vena del metal extremo europeo y un power metal obsesionado con los electrizantes riffs de Black Sabbath.
Sin embargo no es sino hasta finales de los 80's que el ex-vocalista de Napalm death, Lee Dorrian funda Cathedral, banda metalera británica extremadamente lenta, con fuerte influencia en los riffs y voz gutural del death metal pero con influencias psicodélicas y del proto doom y doom metal tradicional de bandas como Pentagram y ream death que sienta las bases del doom metal actual, permitiendo que el subgénero alcanzara fama insospechada.
Los años noventa:
Así como el black metal encuentra su nicho en Escandinavia y el death metal brilla en Estados Unidos, es en Inglaterra donde el doom metal comienza su crecimiento comercial, bajo la tutela de la casa de discos Peaceville Records.
A principios de los noventas, con el death metal dominando el mercado pesado del metal, bandas como Paradise Lost, My Dying Bride y Anathema surgen innovando en el rápido y gutural sonido del death metal con los riffs lentos y pesados que Candlemass y Pentagram ya habían domesticado hace más de una década.
Pronto se constituyen como el death/doom y le otorgan, junto con Cathedral, un lugar prominente al doom metal en la escena metalera mundial.
En 1992 Paradise Lost lanza al mercado el disco Gothic con indudable influencia de sonidos del rock gótico, con algún apunte sinfónico, que pronto se convertiría en material de colección y piedra angular de nuevas bandas de lo que se llegaría a conocer como metal gótico y el gothic doom.
Cabe destacar que hoy día no conoceríamos el metal gótico sin la aportación realizada por Paradise Lost, y la repercusión generada fue enorme, sobre todo para la escena musical de la segunda mitad de los años 90.
"Circle of True Doom"
A partir de mediados de los '90 comenzó a crearse una fuerte controversia en la escena del doom metal mundial que culminó, ya en el siglo XXI, con la asociación de un grupo de bandas (entre ellas The Gates of Slumber, The Reverend Bizarre, Solstice y While Heaven Wept) que se autodenominaban el "Circle of True Doom".
Sin adoptar las politicas violentas del grupo de bandas noruegas de black metal conocido como Inner Circle, se han encargado de iniciar una lucha ideológica en defensa del verdadero doom metal y regresar a los orígenes que vieron nacer el subgénero.
La idea es retomar la influencia de la vieja escuela de doom metal (Saint Vitus, Witchfinder General, Candlemass, Trouble, The Obsessed y Cathedral) y promover su sonido alejándose de mezclas y fusiones con otros subgéneros.
Orígenes musicales: Heavy metal y stoner rock de los años sesenta.
Orígenes culturales: Finales de los sesenta en el Reino Unido.
Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería - Teclados (opcional).
Popularidad: Escasa, especialmente en Europa (Escandinavia, Reino Unido y Alemania) y América (Chile, Perú, Brazil y México)
Derivados: Metal gótico.
Subgéneros: Funeral doom - Drone doom - Stoner doom - Atmospheric doom - Avantgarde doom - Post-doom - Gothic doom - Epic doom.
Fusiones: Stoner - Sludge metal - Death/doom
El doom metal es un subgénero musical del heavy metal.
El término «doom metal» viene a decir "metal del caos" o "metal de la condenación" (condenación es doom en inglés), y es el género más lento, pesado y depresivo del metal extremo, siendo éste además uno de los más oscuros y tenebrosos.
HISTORIA
Inicios del doom metal:
Sus orígenes remontan a los 70's bajo la influencia de Black Sabbath con su álbum del mismo nombre y su segundo álbum Paranoid de donde algunos sugieran nace el nombre del estilo.
Si bien la influencia de Black Sabbath no se limita únicamente al Doom ya que ayuda pero nunca crea el doom metal sino que su influencia se extiende a prácticamente todos los géneros del heavy metal, se le considera definitivamente como la banda por excelencia de Proto Doom, sin embargo son otras bandas las que toman el elemento de Doom de Black Sabbath y lo explotan. En 1971 se funda la pionera del subgénero, Pentagram liderada por Bobbie Liebling, en sus inicios con una marcada influencia de Iron Butterfly y Cream, no es sino hasta 1974, momento en que se une Randy Palmer (Bedemon) que la influencia Doom de la banda británica liderada por Ozzy se manifiesta en Pentagram y deja ver el camino que habría de tomar el nuevo género aún sin nombre.
Consolidando un estilo:
Si bien en los 70's se da el semillero metalero de Doom con bandas como Black Sabbath, Bedemon y Pentagram, es en los ochentas donde se comienza a definir el estilo con bandas como Trouble, Saint Vitus, Witchfinder General, Dream death y Candlemass.
En 1986, la banda de origen sueco, Candlemass lanza la opera prima "Epicus Doomicus metallicus" y por fin se empieza a hablar del doom metal propiamente y nace el epic doom en la vena del metal extremo europeo y un power metal obsesionado con los electrizantes riffs de Black Sabbath.
Sin embargo no es sino hasta finales de los 80's que el ex-vocalista de Napalm death, Lee Dorrian funda Cathedral, banda metalera británica extremadamente lenta, con fuerte influencia en los riffs y voz gutural del death metal pero con influencias psicodélicas y del proto doom y doom metal tradicional de bandas como Pentagram y ream death que sienta las bases del doom metal actual, permitiendo que el subgénero alcanzara fama insospechada.
Los años noventa:
Así como el black metal encuentra su nicho en Escandinavia y el death metal brilla en Estados Unidos, es en Inglaterra donde el doom metal comienza su crecimiento comercial, bajo la tutela de la casa de discos Peaceville Records.
A principios de los noventas, con el death metal dominando el mercado pesado del metal, bandas como Paradise Lost, My Dying Bride y Anathema surgen innovando en el rápido y gutural sonido del death metal con los riffs lentos y pesados que Candlemass y Pentagram ya habían domesticado hace más de una década.
Pronto se constituyen como el death/doom y le otorgan, junto con Cathedral, un lugar prominente al doom metal en la escena metalera mundial.
En 1992 Paradise Lost lanza al mercado el disco Gothic con indudable influencia de sonidos del rock gótico, con algún apunte sinfónico, que pronto se convertiría en material de colección y piedra angular de nuevas bandas de lo que se llegaría a conocer como metal gótico y el gothic doom.
Cabe destacar que hoy día no conoceríamos el metal gótico sin la aportación realizada por Paradise Lost, y la repercusión generada fue enorme, sobre todo para la escena musical de la segunda mitad de los años 90.
"Circle of True Doom"
A partir de mediados de los '90 comenzó a crearse una fuerte controversia en la escena del doom metal mundial que culminó, ya en el siglo XXI, con la asociación de un grupo de bandas (entre ellas The Gates of Slumber, The Reverend Bizarre, Solstice y While Heaven Wept) que se autodenominaban el "Circle of True Doom".
Sin adoptar las politicas violentas del grupo de bandas noruegas de black metal conocido como Inner Circle, se han encargado de iniciar una lucha ideológica en defensa del verdadero doom metal y regresar a los orígenes que vieron nacer el subgénero.
La idea es retomar la influencia de la vieja escuela de doom metal (Saint Vitus, Witchfinder General, Candlemass, Trouble, The Obsessed y Cathedral) y promover su sonido alejándose de mezclas y fusiones con otros subgéneros.
lunes, 3 de agosto de 2009
PROGRAMA Nº 26 ESPECIAL VACACIONES
ESPECIAL VACACIONES
PUES SI AMIGUITOS,
CREO QUE TENGO QUE HACER UN ALTO EN EL CAMINO, PARA DESCANSAR SOLO UN POQUITO, UN MES NADA MAS.
HE PREPARADO UN ESPECIAL CON MUSICA SURFER, PARA CELEBRAR QUE NOS VAMOS DE VACACIONES.
DECIR A LA GENTE QUE NOS ESCUCHA POR LA RADIO, QUE EL QUE SE VA DE VACACIONES SOY YO, ROCK STYLE SIGUE COMO SIEMPRE, PERO CON UNA SELECCION DE PROGRAMAS REPETIDOS PARA QUE REFRESQUEIS LA MEMORIA, DE LOS GENEROS QUE HEMOS IDO TOCANDO.
PUES NADA, QUE EN SEPTIEMBRE VOLVEMOS CON LAS PILAS CARGADAS, Y CON NUEVOS GENEROS Y ESPECIALES PREPARADOS.
QUE PASEIS TODOS UN VERANO DE LUJO, Y QUE OS SIENTEN MUY BIEN LAS POCAS, O MUCHAS VACACIONES QUE PILLEIS.
UN SALUDO Y MUCHOS BESOS.
PUES SI AMIGUITOS,
CREO QUE TENGO QUE HACER UN ALTO EN EL CAMINO, PARA DESCANSAR SOLO UN POQUITO, UN MES NADA MAS.
HE PREPARADO UN ESPECIAL CON MUSICA SURFER, PARA CELEBRAR QUE NOS VAMOS DE VACACIONES.
DECIR A LA GENTE QUE NOS ESCUCHA POR LA RADIO, QUE EL QUE SE VA DE VACACIONES SOY YO, ROCK STYLE SIGUE COMO SIEMPRE, PERO CON UNA SELECCION DE PROGRAMAS REPETIDOS PARA QUE REFRESQUEIS LA MEMORIA, DE LOS GENEROS QUE HEMOS IDO TOCANDO.
PUES NADA, QUE EN SEPTIEMBRE VOLVEMOS CON LAS PILAS CARGADAS, Y CON NUEVOS GENEROS Y ESPECIALES PREPARADOS.
QUE PASEIS TODOS UN VERANO DE LUJO, Y QUE OS SIENTEN MUY BIEN LAS POCAS, O MUCHAS VACACIONES QUE PILLEIS.
UN SALUDO Y MUCHOS BESOS.
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