Viking metal
Orígenes musicales:Folk metal, black metal, death metal
Orígenes culturales:Principios de los años 90 en Escandinavia
Instrumentos comunes:Guitarra - Batería - Bajo - Teclado
Popularidad:Escandinavia, Alemania
Características
El viking metal toma como base el black metal, y en menor medida el folk metal. Existe la creencia equívoca de que una banda de viking metal es toda aquella cuyas letras trataran los temas típicos de este estilo: las costumbres vikingas, los guerreros vikingos, los berserkers, el ásatrú...
Este requisito es importante, aunque existen discos de viking metal cuya temática no es la anteriormente descrita.
Pero el viking metal tiene más elementos diferenciadores y comunes, entre ellos están el frecuente uso de teclado, el cual amortigua de cierta forma el crudo sonido del black metal tradicional ayudando así a que la atmósfera creada sea menos maligna que la del black metal.
El viking metal usa tiempos más relajados, llegando a ser épicos en ciertos momentos, que el black metal y los "blast beats" (batería acelerada clásica del black metal, en castellano significaría "ritmo relámpago") son menos frecuentes.
De igual manera las influencias de la música folk son comunes sobre todo con violines y sonido de fondo de ruidos de naturaleza e incluso también de batallas, llevando esto a que los grupos de viking metal oscilen usualmente entre este estilo y el folk metal, siendo las diferencias, a veces, muy sutiles entre ambos estilos. El viking metal, en contraposición a otros movimientos como el black, no busca ambientes deprimentes ni solitarios, versa más bien sobre la épica, el ardor guerrero, las escenas tradicionales vikingas y otras temáticas menos lúgubres.
Historia
Indudablemente Bathory son los pioneros del género.
Fue a la mitad de su carrera, sobre el año 1990, cuando discos como Blood Fire Death o Hammerheart vieron la luz.
Estos discos incorporaban unos ritmos más lentos que el trabajo anterior del grupo (Bathory es también uno de los pioneros en el Black Metal) y letras arraigadas en la mitología nórdica.
Estos discos fueron influencia directa para grupos que debían llegar a mediados de los noventa como Falkenbach, Ensiferum, Manegarm, Enslaved, Einherjer, Mithotyn, Turisas o Thyrfing.
Fueron estos grupos los que dieron forma al estilo, añadiendo frecuentes coros de voces masculinas, influencias folk, etc. incluyendo un fuerte sabor vikingo.
En el siglo XXI han aparecido numerosas bandas en todas partes del mundo, como Amon Amarth, ejemplo de la fusión de Melodic Death Metal con temática vikinga, que han consolidado a un género que cada vez esta teniendo mayor protagonismo en el panorama metalero.
Subgéneros
•Battle Metal: Similar al Viking Metal, pero trata temas de batallas y épocas medievales, llevan sus propios atuendos los grupos que practican este género, entre ellos el principal es Turisas.
Otro subgénero relacionado con el viking metal es el celtic metal, similar respecto con la diferencia de que estos utilizan más instrumentación folk celta y los temas y las letras suelen ir referidos a esta mitología y cultura.
Se engloban dentro del Pagan Metal, ya que su temática es pagana al hablar sobre religiones politeístas diferentes al cristianismo.
Dos claros ejemplos de este estilo son Skiltron y, ya más influenciados por el folk y por las creaciones de J. R. R. Tolkien, la banda argentina Tengwar (Epic Folk Metal).
Grupos de viking metal
Amon Amarth, Bathory, Ensiferum, Finntroll, Icon of Death, Mithotyn, Moonsorrow, Turisas
METALEANDO
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martes, 25 de enero de 2011
jueves, 20 de enero de 2011
PROGRAMA Nº 70 THRASH METAL
Thrash metal
Orígenes musicales: Speed metal, Hardcore punk, Black metal.
Orígenes culturales: Comienzos de los años 70 en Inglaterra.
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica - Bajo - Batería.
Popularidad: Alta en los '80s, relativa media en Japón, Estados Unidos, Europa y América Latina.
El thrash metal es un subgénero del metal, con raíces en el speed metal, y que adquiere la agresividad y velocidad del hardcore punk y la técnica musical del black metal.
Es diferente del power metal, siendo este también un subgénero del speed metal, pero que contiene influencias del metal clásico, más melódico y progresivo.
El thrash contiene influencias más duras y agresivas.
El speed metal y el thrash metal son consideradas por los fans del género, las dos vertientes fundamentales del heavy metal.
Etimología
Debido a que "trash" y "thrash" son palabras homófonas en inglés, se suele confundir el término "thrash metal" con el significado de "metal basura", algo totalmente falso (una traducción errónea de trash metal literal del inglés); no es lo mismo trash que thrash -con hache intercalada-.
Esta es una confusión habitual incluso entre los conocedores de este género musical. La traducción correcta de thrash, es paliza o azote, por lo que podríamos denominarlo metal azotador.
También la traducción podría ser machaque que coincide con la manera de tocar los riffs.
Historia
Origen e influencias.
Se considera la primera canción de thrash metal de la historia a "Stone Cold Crazy", un tema realizado por la banda inglesa Queen para su álbum Sheer Heart Attack de 1974.
Los orígenes del thrash metal se sitúan a finales de los setenta y comienzos de los ochenta, cuando un grupo de bandas de speed metal comenzaron a incorporar variantes, una gran velocidad y un sentimiento anarquista -similar al del hardcore punk-, a su metal tradicional.
Los considerados como creadores de esta forma de música son el grupo Overkill. Básicamente el thrash metal consiste en acelerar y volver más pesado el sonido del heavy metal.
Por otra parte, la influencia ejercida por Black Sabbath está siempre presente. Influencia clara en canciones consideradas clásicas del thrash como "Sympthom of the Universe" o "Into The Void".
El tema Parasite, del grupo Kiss, también mostró ser adelantado a su época, siendo una especie de prototipo de thrash metal.
Poco después, el grupo de San Francisco Leather Charm desarrolló el tema "Hit the Lights".
Esta banda se disolvió sin llegar a cobrar gran fama, pero el compositor de esta canción (James Hetfield) se unió a una nueva banda, Metallica, que publicó la canción.
El grupo Metal Church grabó algunas maquetas a comienzos de la década de 1980 similares a los trabajos de Metallica y Overkill, aunque sin un género musical thrash muy marcado como los de estos últimos.
El primer grupo representante del género puede ser Venom.
Los seguidores más puristas del género opinan que el thrash de Venom es el más fiel al sonido puramente thrash junto con el sonido de Slayer, aunque el grupo más conocido es Metallica, a pesar de la variedad musical y los diferentes géneros musicales que albergan sus discos.
El grupo Metallica, sentó las bases del thrash metal y lo perfeccionó llevándolo a su máximo exponente junto a otras bandas como Slayer, Exodus, Artillery o Megadeth.
La primera demo representante del thrash metal puede ser Red Skies del grupo Metal Church, de finales del año 1981.
Era una demo instrumental que combinaba el aire puramente thrash, la velocidad arrolladora y algunos detalles de power metal.
Sin trascender demasiado, poco después fue eclipsada por la demo de octubre de 1982 Four Hymns.
Cronológicamente, Metallica puede ser considerado "el tercero" (después de Venom y Metal Church) en aparecer en la escena con las demos Power Metal en abril de 1982, seguida por No Life 'til Leather en julio y su primer disco de estudio (Kill 'Em All, julio de 1983).
Este es un disco que asienta las bases del thrash metal; cargado de velocidad y solos de guitarra arrolladores, crudo, ecléctico y que no planteaba compromisos con nada ni con nadie ya que era un género musical desarrollándose libremente.
Destaca la participación del virtuosísimo bajista de la banda, Cliff Burton.
En seguida fueron influencia de bandas como Slayer o Exodus, llevando a ambas a un sonido más agresivo aún.
Mientras tanto, en Europa, Artillery grabó una demo en noviembre de 1982, We Are the Dead, que tomó un sonido más cercano al del grupo Black Sabbath y dio origen a un thrash no tan rápido como el de Metallica, pero con ideas que partían de una misma raíz thrash.
El despegue del thrash se produjo en 1984, cuando la banda Overkill publicó su segunda demo, Feel the Fire, y Slayer hizo lo propio con su fundamental EP Haunting the Chapel, el cual incluía la canción "Chemical Warfare".
Estos hechos llevaron a la formación de un thrash más oscuro y duro, como el que se puede observar en el disco de Exodus, Bonded by Blood, o el de Slayer, Hell Awaits, del año 1985.
Este año también debutaba Artillery con We Are The Dead y Megadeth, banda del ex-guitarrista de Metallica Dave Mustaine.
Pero es en el año de 1986 cuando el thrash llegó a su punto más alto, cuando sale a la luz Reign in Blood, Master of Puppets,Peace Sells... But Who's Buying? Eternal Devastation y Pleasure to Kill, llegando a ser considerado el "año mundial del metal" .
Son considerados Master of Puppets, Rust in Peace , Reign in Blood y Among The Living los más grandes trabajos del thrash y del metal en general de todos los tiempos por su influencia y por el desarrollo brutal del género.
Megadeth combinaba los riffs del thrash ejecutados a máxima velocidad con solos "destructivos" y rapidísimos, forjando un sonido único en el disco de 1990 Rust in Peace, que viene a ser el último trabajo de lo que se conoce como "thrash metal's Old School" o thrash metal de la vieja escuela.
Desarrollo del estilo
El thrash se desarrolló a finales de los ochenta, influyendo a otros subgéneros y bandas como Celtic Frost y Possessed.
Possessed es una de las primeras bandas que desarrollaron el género musical denominado death metal y publicaron una demo en 1984 con un thrash metal más oscuro y underground.
Uno de los primeros ejemplos de este género musical son los clásicos Seven Churches de dicha banda y Bestial Devastation del grupo Sepultura ambos del año 1985.
El disco del grupo Watchtower, Energetic Disassembly (1985) puso nuevos estándares a la composición técnica (que después sería llamado metal progresivo), influenciada por el jazz, que luego fue desarrollada por el grupo Coroner o bandas de technical death metal como Atheist o Cynic, así como los trabajos de la década de los noventa del grupo Death.
También existieron grupos como Anthrax, Suicidal Tendencies y Hirax que agregaban aún más influencias hardcore punk al thrash tradicional, creando el llamado crossover thrash, la cual seria una base para la aparición del metalcore y del groove metal en los años 90.
Especial atención merece el thrash desarrollado en Alemania, bastante rápido y agresivo comparado con algunos de sus colegas norteamericanos.
Bandas como Sodom y Destruction presentan una propuesta bastante oscura y maligna, que serviría de inspiración al posterior black metal; también bastante destacados son los Tankard y el grupo Kreator, quienes con sus primeros trabajos demostrarón cruzar la linea del thrash metal, metiéndose más a un death metal old school. También destacaremos del thrash metal alemán a Deathrow un grupo que evolucionó a un thrash muy técnico.
En el año 1988 el género estaba saturado con muchísimas bandas.
Este hecho no influyó a la hora de que varios discos posteriores fueran consierados "clásicos".
Forbidden, un grupo que apareció relativamente tarde en la escena de la Bay Area debutó con el aclamado tema "Forbidden Evil".
De la misma forma, el género se llenó igualmente de grupos que no aportaban nada al sonido del género musical, es decir, no lo hacían evolucionar.
En los años 1990 este hecho y la aparición del nuevo género musical grunge hicieron que las empresas discográficas ya no se interesasen por la música de este género hasta que poco a poco fue casi olvidado.
Grupos de thrash metal
Angelus Apatrida, Anthrax, Cavalera Conspiracy, Celtic Frost, Exodus, Forbidden, GWAR, Hamlet, The Haunted, Hellhammer, Kreator, Ktulu, Lamb of God, Machine Head, Megadeth, Metallica, Nevermore, Overkill, Pantera, Sepultura, Silver Fist, Slayer, Soziedad Alkoholika, Suicidal Tendencies, Tankard, Testament, The Moebius Curve, Trivium, Venom
Orígenes musicales: Speed metal, Hardcore punk, Black metal.
Orígenes culturales: Comienzos de los años 70 en Inglaterra.
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica - Bajo - Batería.
Popularidad: Alta en los '80s, relativa media en Japón, Estados Unidos, Europa y América Latina.
El thrash metal es un subgénero del metal, con raíces en el speed metal, y que adquiere la agresividad y velocidad del hardcore punk y la técnica musical del black metal.
Es diferente del power metal, siendo este también un subgénero del speed metal, pero que contiene influencias del metal clásico, más melódico y progresivo.
El thrash contiene influencias más duras y agresivas.
El speed metal y el thrash metal son consideradas por los fans del género, las dos vertientes fundamentales del heavy metal.
Etimología
Debido a que "trash" y "thrash" son palabras homófonas en inglés, se suele confundir el término "thrash metal" con el significado de "metal basura", algo totalmente falso (una traducción errónea de trash metal literal del inglés); no es lo mismo trash que thrash -con hache intercalada-.
Esta es una confusión habitual incluso entre los conocedores de este género musical. La traducción correcta de thrash, es paliza o azote, por lo que podríamos denominarlo metal azotador.
También la traducción podría ser machaque que coincide con la manera de tocar los riffs.
Historia
Origen e influencias.
Se considera la primera canción de thrash metal de la historia a "Stone Cold Crazy", un tema realizado por la banda inglesa Queen para su álbum Sheer Heart Attack de 1974.
Los orígenes del thrash metal se sitúan a finales de los setenta y comienzos de los ochenta, cuando un grupo de bandas de speed metal comenzaron a incorporar variantes, una gran velocidad y un sentimiento anarquista -similar al del hardcore punk-, a su metal tradicional.
Los considerados como creadores de esta forma de música son el grupo Overkill. Básicamente el thrash metal consiste en acelerar y volver más pesado el sonido del heavy metal.
Por otra parte, la influencia ejercida por Black Sabbath está siempre presente. Influencia clara en canciones consideradas clásicas del thrash como "Sympthom of the Universe" o "Into The Void".
El tema Parasite, del grupo Kiss, también mostró ser adelantado a su época, siendo una especie de prototipo de thrash metal.
Poco después, el grupo de San Francisco Leather Charm desarrolló el tema "Hit the Lights".
Esta banda se disolvió sin llegar a cobrar gran fama, pero el compositor de esta canción (James Hetfield) se unió a una nueva banda, Metallica, que publicó la canción.
El grupo Metal Church grabó algunas maquetas a comienzos de la década de 1980 similares a los trabajos de Metallica y Overkill, aunque sin un género musical thrash muy marcado como los de estos últimos.
El primer grupo representante del género puede ser Venom.
Los seguidores más puristas del género opinan que el thrash de Venom es el más fiel al sonido puramente thrash junto con el sonido de Slayer, aunque el grupo más conocido es Metallica, a pesar de la variedad musical y los diferentes géneros musicales que albergan sus discos.
El grupo Metallica, sentó las bases del thrash metal y lo perfeccionó llevándolo a su máximo exponente junto a otras bandas como Slayer, Exodus, Artillery o Megadeth.
La primera demo representante del thrash metal puede ser Red Skies del grupo Metal Church, de finales del año 1981.
Era una demo instrumental que combinaba el aire puramente thrash, la velocidad arrolladora y algunos detalles de power metal.
Sin trascender demasiado, poco después fue eclipsada por la demo de octubre de 1982 Four Hymns.
Cronológicamente, Metallica puede ser considerado "el tercero" (después de Venom y Metal Church) en aparecer en la escena con las demos Power Metal en abril de 1982, seguida por No Life 'til Leather en julio y su primer disco de estudio (Kill 'Em All, julio de 1983).
Este es un disco que asienta las bases del thrash metal; cargado de velocidad y solos de guitarra arrolladores, crudo, ecléctico y que no planteaba compromisos con nada ni con nadie ya que era un género musical desarrollándose libremente.
Destaca la participación del virtuosísimo bajista de la banda, Cliff Burton.
En seguida fueron influencia de bandas como Slayer o Exodus, llevando a ambas a un sonido más agresivo aún.
Mientras tanto, en Europa, Artillery grabó una demo en noviembre de 1982, We Are the Dead, que tomó un sonido más cercano al del grupo Black Sabbath y dio origen a un thrash no tan rápido como el de Metallica, pero con ideas que partían de una misma raíz thrash.
El despegue del thrash se produjo en 1984, cuando la banda Overkill publicó su segunda demo, Feel the Fire, y Slayer hizo lo propio con su fundamental EP Haunting the Chapel, el cual incluía la canción "Chemical Warfare".
Estos hechos llevaron a la formación de un thrash más oscuro y duro, como el que se puede observar en el disco de Exodus, Bonded by Blood, o el de Slayer, Hell Awaits, del año 1985.
Este año también debutaba Artillery con We Are The Dead y Megadeth, banda del ex-guitarrista de Metallica Dave Mustaine.
Pero es en el año de 1986 cuando el thrash llegó a su punto más alto, cuando sale a la luz Reign in Blood, Master of Puppets,Peace Sells... But Who's Buying? Eternal Devastation y Pleasure to Kill, llegando a ser considerado el "año mundial del metal" .
Son considerados Master of Puppets, Rust in Peace , Reign in Blood y Among The Living los más grandes trabajos del thrash y del metal en general de todos los tiempos por su influencia y por el desarrollo brutal del género.
Megadeth combinaba los riffs del thrash ejecutados a máxima velocidad con solos "destructivos" y rapidísimos, forjando un sonido único en el disco de 1990 Rust in Peace, que viene a ser el último trabajo de lo que se conoce como "thrash metal's Old School" o thrash metal de la vieja escuela.
Desarrollo del estilo
El thrash se desarrolló a finales de los ochenta, influyendo a otros subgéneros y bandas como Celtic Frost y Possessed.
Possessed es una de las primeras bandas que desarrollaron el género musical denominado death metal y publicaron una demo en 1984 con un thrash metal más oscuro y underground.
Uno de los primeros ejemplos de este género musical son los clásicos Seven Churches de dicha banda y Bestial Devastation del grupo Sepultura ambos del año 1985.
El disco del grupo Watchtower, Energetic Disassembly (1985) puso nuevos estándares a la composición técnica (que después sería llamado metal progresivo), influenciada por el jazz, que luego fue desarrollada por el grupo Coroner o bandas de technical death metal como Atheist o Cynic, así como los trabajos de la década de los noventa del grupo Death.
También existieron grupos como Anthrax, Suicidal Tendencies y Hirax que agregaban aún más influencias hardcore punk al thrash tradicional, creando el llamado crossover thrash, la cual seria una base para la aparición del metalcore y del groove metal en los años 90.
Especial atención merece el thrash desarrollado en Alemania, bastante rápido y agresivo comparado con algunos de sus colegas norteamericanos.
Bandas como Sodom y Destruction presentan una propuesta bastante oscura y maligna, que serviría de inspiración al posterior black metal; también bastante destacados son los Tankard y el grupo Kreator, quienes con sus primeros trabajos demostrarón cruzar la linea del thrash metal, metiéndose más a un death metal old school. También destacaremos del thrash metal alemán a Deathrow un grupo que evolucionó a un thrash muy técnico.
En el año 1988 el género estaba saturado con muchísimas bandas.
Este hecho no influyó a la hora de que varios discos posteriores fueran consierados "clásicos".
Forbidden, un grupo que apareció relativamente tarde en la escena de la Bay Area debutó con el aclamado tema "Forbidden Evil".
De la misma forma, el género se llenó igualmente de grupos que no aportaban nada al sonido del género musical, es decir, no lo hacían evolucionar.
En los años 1990 este hecho y la aparición del nuevo género musical grunge hicieron que las empresas discográficas ya no se interesasen por la música de este género hasta que poco a poco fue casi olvidado.
Grupos de thrash metal
Angelus Apatrida, Anthrax, Cavalera Conspiracy, Celtic Frost, Exodus, Forbidden, GWAR, Hamlet, The Haunted, Hellhammer, Kreator, Ktulu, Lamb of God, Machine Head, Megadeth, Metallica, Nevermore, Overkill, Pantera, Sepultura, Silver Fist, Slayer, Soziedad Alkoholika, Suicidal Tendencies, Tankard, Testament, The Moebius Curve, Trivium, Venom
martes, 11 de enero de 2011
PROGRAMA Nº 69 METAL SINFONICO
Metal sinfónico
Orígenes musicales: Metal gótico, Power metal, Música clásica.
Orígenes culturales: Europa (especialmente Escandinavia y Holanda).
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Voz, Teclado, Piano, Violines
Popularidad: Media-alta en algunos países del norte de Europa, baja en los Estados Unidos.
Fecha de origen: Mediados y finales de la década de 1990.
El metal sinfónico es un subgénero del heavy metal que combina las características propias de este género, como baterías y guitarras pesadas, con diferentes elementos de la música clásica como instrumentos pertenecientes a orquestas sinfónicas o voces líricas, es decir, los elementos que se tocan son similares a una sinfonía clásica. El metal sinfónico es tanto un género de metal como un nombre dado a varios subgéneros de otros géneros del metal, y como tal, ambas formas tienen definiciones que varían del metal, con voces femeninas y temas de ópera/clásicos para dar a la música un sentimiento sinfónico.
Cuando nos referimos a bandas de otros géneros, se refiere a bandas que usan menos temas clásicos y operísticos en el estilo de la banda similar a lo que se busca en el metal sinfónico, mostrando a otras bandas normales del género que ellos son más "sinfónicos", aunque esta definición no es normalmente usada.
Características musicales
El metal sinfónico como género toma la mayor parte de su base musical del temprano metal gótico, del power metal, y de la música clásica.
Las líneas de guitarra y bajo están trabajadas a menudo siguiendo el modelo del gothic metal, sintetizando otros estilos metálicos de guitarras.
Los géneros comúnmente sintetizados de esta manera incluyen el black metal, el death metal, el power metal y el metal progresivo, a veces con la adición de elementos de la música rock.
El género típicamente combina los elementos de estos géneros con los de música clásica, creando canciones con un sentido "sinfónico" fuerte.
Las bandas que normalmente usan elementos del rock, toman un acercamiento más simple al género, conduciendo a una versión más fácilmente accesible y extensamente aceptada en la música.
Otro ingrediente clave a la mezcla es el sentido de los sonidos, típicamente creados por líneas de guitarra más melódicas; esta característica por lo general es atribuida al power metal también.
Los teclados en el metal sinfónico juegan el papel más importante y son el foco del género alrededor del cual el resto de la música se centra.
Mientras la mayor parte de los instrumentos interpretan partes relativamente simples, los teclados tienden a tener las partes más complejas y técnicamente difíciles.
Los teclados solamente son usados para hacer las partes "clásicas" de la música por la cual el género es nombrado, y cubre todas las formas de música clásica.
Las bandas a veces usan orquestas en vivo para hacer las partes que el tecladista haría, y de vez en cuando haría verdaderos instrumentos en la grabación en vez de usar muestras digitales con un teclado.
La atmósfera comúnmente es adaptada para encajar la canción, aunque incluso en las canciones con temas mórbidos tiendan a mantener un sentido optimista.
La atmósfera es particularmente denotada por los teclados y los instrumentos que imitan, con los otros instrumentos apoyando el sonido evocado por los teclados.
La lírica de metal sinfónico es sumamente expansiva y cubre una amplia gama de asuntos.
La lírica a menudo toma prestado del power metal, abarcando varias formas de temas de ficción, o usa temas típicos de ópera.
Las líricas en el metal sinfónico, como las del metal gótico, a menudo se arreglan en álbumes de concepto, al estilo de epopeyas.
Las bandas en el metal sinfónico son principalmente femeninas conducidas tanto en sus imágenes como en voz.
Los cantantes de bandas de metal sinfónico constantemente han sido femeninos, y tienden a cantar melodías de mezzo-soprano en el estilo de ópera.
A veces los artistas de metal sinfónico usan a un cantante masculino para apoyar la voz y otra femenina, similar a los cantantes duales del metal gótico.
Otras formas de voz también a veces son encontradas en canciones, pero normalmente sólo son usadas como un efecto dentro de las mismas.
Las bandas de metal sinfónico con cantantes masculinos por lo general caen en la categoría de power metal sinfónico.
Orígenes y evolución
Los primeros orígenes de metal sinfónico como género comienzan con tempranas bandas en los géneros metal gótico y death metal, que hicieron algún empleo de elementos sinfónicos en su música.
En 1997, Nightwish y Within Temptation realizaron sus primeros álbumes.
Within Temptation, usando la influencia del sintetizar del metal gótico de otros géneros, usó los aspectos más simples de los géneros en su síntesis.
Centrando su música alrededor de las capacidades de su cantante femenino, Sharon den Adel, y la naturaleza sinfónica del empleo de teclados, la banda redujo el empleo de voz masculina a los coros únicamente.
Nightwish siguió una tendencia similar, empleando un estilo evocador de power metal y usando a un cantante femenino con el empleo pesado de teclados clásicamente influidos.
A principios de los años 2000, una oleada de metal sinfónico apareció, con muchas bandas realizando álbumes.
Rain Fell Within, After Forever, Epica, y Edenbridge realizaron álbumes por esta época, mostrando prominentemente los teclados característicos y la voz femenina. Estas bandas también enfatizaron la naturaleza optimista de la música.
Este auge de bandas de metal sinfónico también comenzó a tomar más influencia del power metal, que toma prestado de lo lírico la fantasía y los teclados estilizados.
Las bandas que son principalmente death metal, doom metal, metal gótico, power metal, o incluso black metal también han sido clasificados como metal sinfónico. Mientras el metal sinfónico es considerado por muchos como un subgénero separado de heavy metal, unos argumentan que esto es un estilo que puede ser de cualquier subgénero de heavy metal.
A pesar de todo, el metal sinfónico tiende a ser más popular en áreas donde los subgéneros antes mencionados están mejor afianzados, como en Europa.
También, las primeras bandas de metal sinfónico eran de Europa y usaron orquestas europeas en su música.
Subgéneros del Metal sinfónico
El metal sinfónico, con respecto a otros géneros de metal, abarca cualquier banda que haya usado teclado semejante a la música sinfónica, clásica, o gótica.
El empleo de aspectos sinfónicos en la variación de las formas del metal han estado durante muchos años.
Sin embargo, el metal sinfónico es centrado en torno al uso extenso de elementos sinfónicos, mientras que las bandas que los usan como apoyo de temas, por lo general son catalogadas bajo otros géneros.
Black metal sinfónico
El black metal sinfónico tiene componentes similares como el black metal melódico, pero usa teclados o instrumentos normalmente encontrados en la música sinfónica o clásica.
Esto también puede incluir las bandas de black metal que hacen el uso de teclados atmosféricos en la música, semejante al metal sinfónico o gótico.
Los aspectos sinfónicos de este género son normalmente las partes incorporadas de una banda, y ,como tal, comúnmente son usados en todas partes de la duración de una canción.
Power metal sinfónico
El power metal sinfónico se refiere a las bandas de power metal que hacen el uso extenso de teclados, o instrumentos normalmente encontrados en la música clásica similar al metal sinfónico.
Estos elementos adicionales a menudo son usados como los elementos claves de la música cuando comparado al power metal normal, contribuyendo no sólo como una capa extra en la música, sino en una variedad mayor de sonido.
A veces el power metal sinfónico se considera tanto metal sinfónico como power metal, Por ejemplo, en Rhapsody of Fire y Skylark destacan elementos más sinfónicos, mientras Stratovarius y Sonata Arctica destacan más elementos power.
Gothic metal sinfónico
Bajo la influencia de Paradise Lost, Anathema y My Dying Bride, la banda holandesa Within Temptation fue fundada en 1996.
Un álbum de estreno Enter fue revelado al año siguiente, seguido dentro de poco por un EP The Dance.
Ambas realizaciones aprovecharon el conocido canto the beauty and the beast (voz femenina limpia y voz masculina gutural) entregado por Sharon den Adel y Robert Westerholt.
Su segundo disco, Mother Earth fue hecho en 2000 y distribuida completamente con la voz de death metal, en vez de "confiar únicamente en la capacidad vocal majestuosa de den Adel".
El álbum era un éxito comercial con su single "Ice Queen" encabezando las listas en Bélgica y su natural Países Bajos.
Su tercer álbum la Silent Force llegó en 2004 como "un proyecto ambicioso en el que destaca una orquesta completa y el coro de 80 voces que acompaña a la banda".
El resultado era otro éxito comercial por Europa e introdujo "el mundo de guitarras pesadas y voz femenina" a "una audiencia establecida".
Otra banda holandesa en la corriente del gothic metal sinfónico es After Forever.
Su álbum de estreno Prison of Desire en 2000 era un álbum esperado pero que no satisfiso a la crítica, tachándolo de "heavy metal con rock progresivo arreglado con una orquesta clásica, rematando con voces de "el monstruo de las galletas" y una muy cualificada cantante de ópera a partes iguales".
El miembro fundador, el guitarrista y cantante Mark Jansen se marchó de After Forever sólo unos meses después de la realización del segundo álbum Decipher.
Jansen formaría entonces Epica, otra banda que realiza una mezcla de metal gótico y sinfónico.
Un álbum de estreno The Phantom Agony surgida en 2003 con la música que combina a los guturales propios del death metal con "los tonos angelicales de una mezzo-soprano clásicamente entrenada (Simone Simons), sobre una mezcla de power metal sinfónico".
La música de Epica ha sido descrita como la combinación "de una oscura, encantada atmósfera gótica con la música ampulosa y sinfónica".
Como Within Temptation y After Forever, Epica sabía aprovechar una orquesta.
Su álbum de 2007 The Divine Conspiracy fue un éxito en su país de origen.
Esta mezcla de metal sinfónico y gótico también ha llegado a la dirección opuesta. La banda Nightwish de Finlandia comenzó como metal sinfónico e introdujo elementos góticos sobre su álbum de 2004 Once, en concreto en el single "Wish I Had an Angel". Siguieron mezclando su estilo de metal con una atmósfera gótica en su siguiente álbum Dark Passion Play en 2007.
El grupo sueco Therion también introdujo elementos góticos a su estilo de metal sinfónico en su álbum de 2007 Gothic Kabbalah.
Grupos de metal sinfónico
Adgar, After Forever, Avantasia, Diablo Swing Orchestra, Dragonland, Emperor, Epica, Forgotten Tales, Kamelot, Lunatica, Morgul, Nightwish, Opera Magna, Rhapsody of Fire, Stravaganzza, Symphony X, Theatres des Vampires, Trans-Siberian Orchestra, Tristania, Within Temptation.
Orígenes musicales: Metal gótico, Power metal, Música clásica.
Orígenes culturales: Europa (especialmente Escandinavia y Holanda).
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Voz, Teclado, Piano, Violines
Popularidad: Media-alta en algunos países del norte de Europa, baja en los Estados Unidos.
Fecha de origen: Mediados y finales de la década de 1990.
El metal sinfónico es un subgénero del heavy metal que combina las características propias de este género, como baterías y guitarras pesadas, con diferentes elementos de la música clásica como instrumentos pertenecientes a orquestas sinfónicas o voces líricas, es decir, los elementos que se tocan son similares a una sinfonía clásica. El metal sinfónico es tanto un género de metal como un nombre dado a varios subgéneros de otros géneros del metal, y como tal, ambas formas tienen definiciones que varían del metal, con voces femeninas y temas de ópera/clásicos para dar a la música un sentimiento sinfónico.
Cuando nos referimos a bandas de otros géneros, se refiere a bandas que usan menos temas clásicos y operísticos en el estilo de la banda similar a lo que se busca en el metal sinfónico, mostrando a otras bandas normales del género que ellos son más "sinfónicos", aunque esta definición no es normalmente usada.
Características musicales
El metal sinfónico como género toma la mayor parte de su base musical del temprano metal gótico, del power metal, y de la música clásica.
Las líneas de guitarra y bajo están trabajadas a menudo siguiendo el modelo del gothic metal, sintetizando otros estilos metálicos de guitarras.
Los géneros comúnmente sintetizados de esta manera incluyen el black metal, el death metal, el power metal y el metal progresivo, a veces con la adición de elementos de la música rock.
El género típicamente combina los elementos de estos géneros con los de música clásica, creando canciones con un sentido "sinfónico" fuerte.
Las bandas que normalmente usan elementos del rock, toman un acercamiento más simple al género, conduciendo a una versión más fácilmente accesible y extensamente aceptada en la música.
Otro ingrediente clave a la mezcla es el sentido de los sonidos, típicamente creados por líneas de guitarra más melódicas; esta característica por lo general es atribuida al power metal también.
Los teclados en el metal sinfónico juegan el papel más importante y son el foco del género alrededor del cual el resto de la música se centra.
Mientras la mayor parte de los instrumentos interpretan partes relativamente simples, los teclados tienden a tener las partes más complejas y técnicamente difíciles.
Los teclados solamente son usados para hacer las partes "clásicas" de la música por la cual el género es nombrado, y cubre todas las formas de música clásica.
Las bandas a veces usan orquestas en vivo para hacer las partes que el tecladista haría, y de vez en cuando haría verdaderos instrumentos en la grabación en vez de usar muestras digitales con un teclado.
La atmósfera comúnmente es adaptada para encajar la canción, aunque incluso en las canciones con temas mórbidos tiendan a mantener un sentido optimista.
La atmósfera es particularmente denotada por los teclados y los instrumentos que imitan, con los otros instrumentos apoyando el sonido evocado por los teclados.
La lírica de metal sinfónico es sumamente expansiva y cubre una amplia gama de asuntos.
La lírica a menudo toma prestado del power metal, abarcando varias formas de temas de ficción, o usa temas típicos de ópera.
Las líricas en el metal sinfónico, como las del metal gótico, a menudo se arreglan en álbumes de concepto, al estilo de epopeyas.
Las bandas en el metal sinfónico son principalmente femeninas conducidas tanto en sus imágenes como en voz.
Los cantantes de bandas de metal sinfónico constantemente han sido femeninos, y tienden a cantar melodías de mezzo-soprano en el estilo de ópera.
A veces los artistas de metal sinfónico usan a un cantante masculino para apoyar la voz y otra femenina, similar a los cantantes duales del metal gótico.
Otras formas de voz también a veces son encontradas en canciones, pero normalmente sólo son usadas como un efecto dentro de las mismas.
Las bandas de metal sinfónico con cantantes masculinos por lo general caen en la categoría de power metal sinfónico.
Orígenes y evolución
Los primeros orígenes de metal sinfónico como género comienzan con tempranas bandas en los géneros metal gótico y death metal, que hicieron algún empleo de elementos sinfónicos en su música.
En 1997, Nightwish y Within Temptation realizaron sus primeros álbumes.
Within Temptation, usando la influencia del sintetizar del metal gótico de otros géneros, usó los aspectos más simples de los géneros en su síntesis.
Centrando su música alrededor de las capacidades de su cantante femenino, Sharon den Adel, y la naturaleza sinfónica del empleo de teclados, la banda redujo el empleo de voz masculina a los coros únicamente.
Nightwish siguió una tendencia similar, empleando un estilo evocador de power metal y usando a un cantante femenino con el empleo pesado de teclados clásicamente influidos.
A principios de los años 2000, una oleada de metal sinfónico apareció, con muchas bandas realizando álbumes.
Rain Fell Within, After Forever, Epica, y Edenbridge realizaron álbumes por esta época, mostrando prominentemente los teclados característicos y la voz femenina. Estas bandas también enfatizaron la naturaleza optimista de la música.
Este auge de bandas de metal sinfónico también comenzó a tomar más influencia del power metal, que toma prestado de lo lírico la fantasía y los teclados estilizados.
Las bandas que son principalmente death metal, doom metal, metal gótico, power metal, o incluso black metal también han sido clasificados como metal sinfónico. Mientras el metal sinfónico es considerado por muchos como un subgénero separado de heavy metal, unos argumentan que esto es un estilo que puede ser de cualquier subgénero de heavy metal.
A pesar de todo, el metal sinfónico tiende a ser más popular en áreas donde los subgéneros antes mencionados están mejor afianzados, como en Europa.
También, las primeras bandas de metal sinfónico eran de Europa y usaron orquestas europeas en su música.
Subgéneros del Metal sinfónico
El metal sinfónico, con respecto a otros géneros de metal, abarca cualquier banda que haya usado teclado semejante a la música sinfónica, clásica, o gótica.
El empleo de aspectos sinfónicos en la variación de las formas del metal han estado durante muchos años.
Sin embargo, el metal sinfónico es centrado en torno al uso extenso de elementos sinfónicos, mientras que las bandas que los usan como apoyo de temas, por lo general son catalogadas bajo otros géneros.
Black metal sinfónico
El black metal sinfónico tiene componentes similares como el black metal melódico, pero usa teclados o instrumentos normalmente encontrados en la música sinfónica o clásica.
Esto también puede incluir las bandas de black metal que hacen el uso de teclados atmosféricos en la música, semejante al metal sinfónico o gótico.
Los aspectos sinfónicos de este género son normalmente las partes incorporadas de una banda, y ,como tal, comúnmente son usados en todas partes de la duración de una canción.
Power metal sinfónico
El power metal sinfónico se refiere a las bandas de power metal que hacen el uso extenso de teclados, o instrumentos normalmente encontrados en la música clásica similar al metal sinfónico.
Estos elementos adicionales a menudo son usados como los elementos claves de la música cuando comparado al power metal normal, contribuyendo no sólo como una capa extra en la música, sino en una variedad mayor de sonido.
A veces el power metal sinfónico se considera tanto metal sinfónico como power metal, Por ejemplo, en Rhapsody of Fire y Skylark destacan elementos más sinfónicos, mientras Stratovarius y Sonata Arctica destacan más elementos power.
Gothic metal sinfónico
Bajo la influencia de Paradise Lost, Anathema y My Dying Bride, la banda holandesa Within Temptation fue fundada en 1996.
Un álbum de estreno Enter fue revelado al año siguiente, seguido dentro de poco por un EP The Dance.
Ambas realizaciones aprovecharon el conocido canto the beauty and the beast (voz femenina limpia y voz masculina gutural) entregado por Sharon den Adel y Robert Westerholt.
Su segundo disco, Mother Earth fue hecho en 2000 y distribuida completamente con la voz de death metal, en vez de "confiar únicamente en la capacidad vocal majestuosa de den Adel".
El álbum era un éxito comercial con su single "Ice Queen" encabezando las listas en Bélgica y su natural Países Bajos.
Su tercer álbum la Silent Force llegó en 2004 como "un proyecto ambicioso en el que destaca una orquesta completa y el coro de 80 voces que acompaña a la banda".
El resultado era otro éxito comercial por Europa e introdujo "el mundo de guitarras pesadas y voz femenina" a "una audiencia establecida".
Otra banda holandesa en la corriente del gothic metal sinfónico es After Forever.
Su álbum de estreno Prison of Desire en 2000 era un álbum esperado pero que no satisfiso a la crítica, tachándolo de "heavy metal con rock progresivo arreglado con una orquesta clásica, rematando con voces de "el monstruo de las galletas" y una muy cualificada cantante de ópera a partes iguales".
El miembro fundador, el guitarrista y cantante Mark Jansen se marchó de After Forever sólo unos meses después de la realización del segundo álbum Decipher.
Jansen formaría entonces Epica, otra banda que realiza una mezcla de metal gótico y sinfónico.
Un álbum de estreno The Phantom Agony surgida en 2003 con la música que combina a los guturales propios del death metal con "los tonos angelicales de una mezzo-soprano clásicamente entrenada (Simone Simons), sobre una mezcla de power metal sinfónico".
La música de Epica ha sido descrita como la combinación "de una oscura, encantada atmósfera gótica con la música ampulosa y sinfónica".
Como Within Temptation y After Forever, Epica sabía aprovechar una orquesta.
Su álbum de 2007 The Divine Conspiracy fue un éxito en su país de origen.
Esta mezcla de metal sinfónico y gótico también ha llegado a la dirección opuesta. La banda Nightwish de Finlandia comenzó como metal sinfónico e introdujo elementos góticos sobre su álbum de 2004 Once, en concreto en el single "Wish I Had an Angel". Siguieron mezclando su estilo de metal con una atmósfera gótica en su siguiente álbum Dark Passion Play en 2007.
El grupo sueco Therion también introdujo elementos góticos a su estilo de metal sinfónico en su álbum de 2007 Gothic Kabbalah.
Grupos de metal sinfónico
Adgar, After Forever, Avantasia, Diablo Swing Orchestra, Dragonland, Emperor, Epica, Forgotten Tales, Kamelot, Lunatica, Morgul, Nightwish, Opera Magna, Rhapsody of Fire, Stravaganzza, Symphony X, Theatres des Vampires, Trans-Siberian Orchestra, Tristania, Within Temptation.
martes, 14 de diciembre de 2010
PROGRAMA Nº 68 SURF ROCK
Surf rock
El surf rock es un subgénero de la música rock practicado por músicos aficionados al surf, especialmente entre los años 50, 60 y 70 en California, muy similar a algunas formas de garage rock.
La alineación básica de una banda surf consiste en guitarra líder, guitarra rítmica, bajo y batería, aunque es común el uso de otros instrumentos como saxofón y órgano. El surf es considerado el primer género musical que incluyó el bajo eléctrico en su alineación.
Desde un principio las bandas surf han optado por utilizar principalmente instrumentos musicales de la compañía Fender, generalmente guitarras como la Stratocaster, Jaguar o Jazzmaster; Precision Bass para el bajo, así como amplificadores de la misma marca.
Esto es en gran parte debido al sonido tan característico que proporcionan estos instrumentos que se ajustaba a la perfección con el sonido que las bandas requerían.
Sus características más comunes son:
• El uso de reverb como efecto principal de las guitarras. Para ello se utilizaban unidades externas de reverberación a base de resortes o las unidades internas que venían incluidas en algunos amplificadores de la época, como el Fender Twin Reverb. Además del uso de otros efectos como el tremolo y el fuzz.
• Generalmente ritmos rápidos, o bien simples y machacones, pero casi siempre bailables.
• Tonadas de guitarra melódicas pero con movimientos de púa rápidos y fréneticos, conocidos como tremolo picking.
• Acompañamientos de bajo también rápidos.
• Generalmente son temas instrumentales, pero también hay temas cantados y baladas.
Con dicho estilo rápido intentaban transmitir las sensaciones que se viven sobre la ola y las ganas de diversión.
Con las canciones más suaves ilustraban las sensaciones de sosiego que transmite la vida en la playa.
El tema más popular de este estilo es Misirlou de Dick Dale & The Deltones, incluido como tema principal de la banda sonora de Pulp Fiction de Quentin Tarantino en los 90.
Historia
Cuando el rock instrumental empezó a girar la vista al surf, la playa ya era un lugar muy familiar para la gran mayoría de adolescentes del sur de California.
Y el surf era la moda del momento, la continuación de la sociedad apática de los 50 americanos.
Lo cool, en definitiva. Era la representación de una vida divertida, natural, en contacto con la naturaleza, la playa y las chicas.
Con lo cual estaba claro que iba a atraer a un montón de gente más allá de aquellos que sintieron la llamada de la práctica del surf como deporte.
Muchos de ellos eran músicos o descubrieron que querían serlo.
Y, como sucede habitualmente, tendían a cantar y escribir sobre su entorno.
Y lo que veían en su entorno no era otra cosa que el surfin' way of life.
Así que era fácil intuir que una cosa iba a llevar a la otra.
Lo que hoy llamamos surf pop o surf vocal no es música surf, sino música sobre surf. Cómo siempre, hay dudas sobre su paternidad.
En este caso se considera aceptado bastante unánimemente que la primera canción sobre surf fue "Surfin" de los Beach Boys, publicada por primera vez en una minúscula discográfica llamada Candix a principios de Diciembre de 1962.
Cuentan que la idea fue de Dennis Wilson, el único de los hermanos que se enamoró del surf, el que quería probar todo lo nuevo.
Se enamoró tanto del surf que propuso escribir una canción, que finalmente incluyó también en los créditos a Brian Wilson y Mike Love.
Aunque para ser justos deberíamos recordar que los míticos "bop, bop, dit, dit" de "Surfin'" estaban directamente heredados de un tema de 1959 llamado "Baby talk" obra de... Jan & Dean.
Sí, los amigos californianos de los Beach Boys, que rápidamente incorporaron toda la parafernalia surf y hot rod a sus composiciones y se integraron sin problemas en el género.
El surf vocal es un pop sencillo de describir: canciones que añadían melodías y armonías vocales (combinaciones de varias voces) heredadas del doo woop y los grupos vocales de los 50 (como The Four Freshmen, el grupo favorito de Brian Wilson) a los ritmos básicos del incipiente surf rock.
El relativo éxito de "Surfin'", que incluyó una continuación que incorporaba temas como "Surfer girl" o "Surfin' safari" indujo la aparición de nuevas bandas.
Todos querían hablar del surf, fotografiarse con tablas y escribir sobre una forma de vida que llenaba las expectativas de toda una generación de californianos, gente llegada de otras partes del país, y gente que no se movía de otras partes del país pero a la que le gustaba la idea que se transmitía de la vida en California.
Así surgieron infinidad de nuevas bandas, cada una con su pequeña o gran historia detrás.
En sus letras, álbumes y portadas hablaban con ingenuidad de lo que vivían, y las canciones eran emotivas, adictivas y brillantes.
Tanto, que durante un tiempo se denominó también a este estilo "sunshine pop".
Y no es una mala descripción, pop brillante como el sol californiano.
Unas cuantas bandas han pasado a la historia como representantes antológicos de esta hornada inicial del estilo, aunque hubieron muchísimas más.
Jan & Dean dejaron "Ride the wild surf", The Surfaris "Surfer Joe", The Trashmen (Minneapolis) "Surfin' bird" o The Rivieras (Arizona) "California sun", todo ello en los primeros cuatro o cinco años de la década de los 60.
No se puede hablar de la historia del surf vocal sin mencionar el nombre de Gary Usher.
Su nombre aparece de una manera u otra en infinidad de las grabaciones más interesantes hechas en California en los primeros 60. Co-escribió muchos temas con Brian Wilson, cantó él mismo, fue productor de muchas bandas, fundó los Hondells y animó a iniciarse a numerosas bandas.
Usher fue un personaje clave en el arranque del género.
¿Y porque se acabó todo eso? Pues por culpa de lo que se llamó la "British Invasion".
En pocas palabras, América descubrió a los Beatles y todo lo que vino después.
Y el surf no pudo soportar su empuje y sucumbió a la nueva moda.
Algunos grupos intentaron adaptarse, pero nada fue lo mismo ni la evolución de la sociedad hacia un mayor compromiso con el entorno ayudó.
Por eso, la gran mayoría de composiciones y bandas de surf están datadas entre 1961 y 1965.
Y hoy queda el recuerdo de ocho o diez grandísimas canciones que conoce todo el mundo y varios centenares más aún por descubrir, igual de buenas, hechas por grupos que no pudieron darse a conocer en aquel momento.
Y grupos de rock contemporáneo cuyas versiones siguen recordando y/o homenajeando la importancia de un género a veces infravalorado por su hedonismo aparente, pero cuya calidad musical e importancia histórica hoy ya está fuera de duda.
Por ejemplo los Ramones y sus versiones de "Surfin' bird" y "California sun", Yo La Tengo y su versión de "Little Honda" o The Jesus & Mary Chain y sus relecturas de "Surf city" ("Kill surf city") o "Surfin USA".
Y bandas que, en California (Drifting Sand), o en Europa (The Surfin' Lungs) siguen empeñadas en disfrutar componiendo odas al verano y la diversión.
Artistas
Dick Dale, The Ventures, Palmerita Surf, The Revels, The Shadows, Los Straitjackets, The Trashmen, The Space Cossacks, Lost Acapulco, The Aquamarines, The Beach Boys, Sr. Bikini, The Nebulas, The Longboards, The Bomboras, The Tormentos, Los Gordos, Los Tiki Phantoms, Los Coronas
El surf rock es un subgénero de la música rock practicado por músicos aficionados al surf, especialmente entre los años 50, 60 y 70 en California, muy similar a algunas formas de garage rock.
La alineación básica de una banda surf consiste en guitarra líder, guitarra rítmica, bajo y batería, aunque es común el uso de otros instrumentos como saxofón y órgano. El surf es considerado el primer género musical que incluyó el bajo eléctrico en su alineación.
Desde un principio las bandas surf han optado por utilizar principalmente instrumentos musicales de la compañía Fender, generalmente guitarras como la Stratocaster, Jaguar o Jazzmaster; Precision Bass para el bajo, así como amplificadores de la misma marca.
Esto es en gran parte debido al sonido tan característico que proporcionan estos instrumentos que se ajustaba a la perfección con el sonido que las bandas requerían.
Sus características más comunes son:
• El uso de reverb como efecto principal de las guitarras. Para ello se utilizaban unidades externas de reverberación a base de resortes o las unidades internas que venían incluidas en algunos amplificadores de la época, como el Fender Twin Reverb. Además del uso de otros efectos como el tremolo y el fuzz.
• Generalmente ritmos rápidos, o bien simples y machacones, pero casi siempre bailables.
• Tonadas de guitarra melódicas pero con movimientos de púa rápidos y fréneticos, conocidos como tremolo picking.
• Acompañamientos de bajo también rápidos.
• Generalmente son temas instrumentales, pero también hay temas cantados y baladas.
Con dicho estilo rápido intentaban transmitir las sensaciones que se viven sobre la ola y las ganas de diversión.
Con las canciones más suaves ilustraban las sensaciones de sosiego que transmite la vida en la playa.
El tema más popular de este estilo es Misirlou de Dick Dale & The Deltones, incluido como tema principal de la banda sonora de Pulp Fiction de Quentin Tarantino en los 90.
Historia
Cuando el rock instrumental empezó a girar la vista al surf, la playa ya era un lugar muy familiar para la gran mayoría de adolescentes del sur de California.
Y el surf era la moda del momento, la continuación de la sociedad apática de los 50 americanos.
Lo cool, en definitiva. Era la representación de una vida divertida, natural, en contacto con la naturaleza, la playa y las chicas.
Con lo cual estaba claro que iba a atraer a un montón de gente más allá de aquellos que sintieron la llamada de la práctica del surf como deporte.
Muchos de ellos eran músicos o descubrieron que querían serlo.
Y, como sucede habitualmente, tendían a cantar y escribir sobre su entorno.
Y lo que veían en su entorno no era otra cosa que el surfin' way of life.
Así que era fácil intuir que una cosa iba a llevar a la otra.
Lo que hoy llamamos surf pop o surf vocal no es música surf, sino música sobre surf. Cómo siempre, hay dudas sobre su paternidad.
En este caso se considera aceptado bastante unánimemente que la primera canción sobre surf fue "Surfin" de los Beach Boys, publicada por primera vez en una minúscula discográfica llamada Candix a principios de Diciembre de 1962.
Cuentan que la idea fue de Dennis Wilson, el único de los hermanos que se enamoró del surf, el que quería probar todo lo nuevo.
Se enamoró tanto del surf que propuso escribir una canción, que finalmente incluyó también en los créditos a Brian Wilson y Mike Love.
Aunque para ser justos deberíamos recordar que los míticos "bop, bop, dit, dit" de "Surfin'" estaban directamente heredados de un tema de 1959 llamado "Baby talk" obra de... Jan & Dean.
Sí, los amigos californianos de los Beach Boys, que rápidamente incorporaron toda la parafernalia surf y hot rod a sus composiciones y se integraron sin problemas en el género.
El surf vocal es un pop sencillo de describir: canciones que añadían melodías y armonías vocales (combinaciones de varias voces) heredadas del doo woop y los grupos vocales de los 50 (como The Four Freshmen, el grupo favorito de Brian Wilson) a los ritmos básicos del incipiente surf rock.
El relativo éxito de "Surfin'", que incluyó una continuación que incorporaba temas como "Surfer girl" o "Surfin' safari" indujo la aparición de nuevas bandas.
Todos querían hablar del surf, fotografiarse con tablas y escribir sobre una forma de vida que llenaba las expectativas de toda una generación de californianos, gente llegada de otras partes del país, y gente que no se movía de otras partes del país pero a la que le gustaba la idea que se transmitía de la vida en California.
Así surgieron infinidad de nuevas bandas, cada una con su pequeña o gran historia detrás.
En sus letras, álbumes y portadas hablaban con ingenuidad de lo que vivían, y las canciones eran emotivas, adictivas y brillantes.
Tanto, que durante un tiempo se denominó también a este estilo "sunshine pop".
Y no es una mala descripción, pop brillante como el sol californiano.
Unas cuantas bandas han pasado a la historia como representantes antológicos de esta hornada inicial del estilo, aunque hubieron muchísimas más.
Jan & Dean dejaron "Ride the wild surf", The Surfaris "Surfer Joe", The Trashmen (Minneapolis) "Surfin' bird" o The Rivieras (Arizona) "California sun", todo ello en los primeros cuatro o cinco años de la década de los 60.
No se puede hablar de la historia del surf vocal sin mencionar el nombre de Gary Usher.
Su nombre aparece de una manera u otra en infinidad de las grabaciones más interesantes hechas en California en los primeros 60. Co-escribió muchos temas con Brian Wilson, cantó él mismo, fue productor de muchas bandas, fundó los Hondells y animó a iniciarse a numerosas bandas.
Usher fue un personaje clave en el arranque del género.
¿Y porque se acabó todo eso? Pues por culpa de lo que se llamó la "British Invasion".
En pocas palabras, América descubrió a los Beatles y todo lo que vino después.
Y el surf no pudo soportar su empuje y sucumbió a la nueva moda.
Algunos grupos intentaron adaptarse, pero nada fue lo mismo ni la evolución de la sociedad hacia un mayor compromiso con el entorno ayudó.
Por eso, la gran mayoría de composiciones y bandas de surf están datadas entre 1961 y 1965.
Y hoy queda el recuerdo de ocho o diez grandísimas canciones que conoce todo el mundo y varios centenares más aún por descubrir, igual de buenas, hechas por grupos que no pudieron darse a conocer en aquel momento.
Y grupos de rock contemporáneo cuyas versiones siguen recordando y/o homenajeando la importancia de un género a veces infravalorado por su hedonismo aparente, pero cuya calidad musical e importancia histórica hoy ya está fuera de duda.
Por ejemplo los Ramones y sus versiones de "Surfin' bird" y "California sun", Yo La Tengo y su versión de "Little Honda" o The Jesus & Mary Chain y sus relecturas de "Surf city" ("Kill surf city") o "Surfin USA".
Y bandas que, en California (Drifting Sand), o en Europa (The Surfin' Lungs) siguen empeñadas en disfrutar componiendo odas al verano y la diversión.
Artistas
Dick Dale, The Ventures, Palmerita Surf, The Revels, The Shadows, Los Straitjackets, The Trashmen, The Space Cossacks, Lost Acapulco, The Aquamarines, The Beach Boys, Sr. Bikini, The Nebulas, The Longboards, The Bomboras, The Tormentos, Los Gordos, Los Tiki Phantoms, Los Coronas
jueves, 4 de noviembre de 2010
PROGRAMA Nº 67 STONER ROCK
Stoner rock
Orígenes musicales: Rock psicodélico, hard rock, doom metal, blues-rock.
Orígenes culturales: Años 70 en California.
Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería.
Popularidad: Mucha popularidad entre los aficionados introducidos al rock, sobre todo en los años 90. Poca entre el gran público.
El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock con gran influencia del rock psicodélico de principios de los setenta.
Está conectado tanto con el Rock alternativo como con el Heavy metal.
Historia
A veces mal confundido con el sludge metal, el stoner rock, frecuentemente llamado desert rock, o bong rock por sus referencias obvias al consumo de THC, se caracteriza por el sonido duro, pesado y afinado en escalas bajas de los grupos que pregonan este estilo, proveniente del hard rock de los años '65 - '73, cuyas influencias son: Jimi Hendrix, Blue Cheer, Mountain, Free, Nazareth o Cream.
El término stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa el que fuma marihuana.
Esto se debe a que muchas de las composiciones dentro de este estilo fueron creadas bajo la influencia de esta droga psicodélica.
Sin embargo, no todos los grupos de stoner rock han de considerarse fumadores de esta sustancia, y viceversa, ya que, por ejemplo, Pantera incluía imágenes de la planta de cannabis en las camisetas de sus giras, siendo este un grupo de thrash metal.
El stoner rock se originó en EE. UU. a principios de los '90, especialmente en la ciudad de Palm Springs, California.
Los californianos Kyuss son considerados los inventores del género, aunque bandas como Masters of Reality y Yawning Man ya experimentaran antes con riffs de los '70. Para algunos Kyuss es la única banda netamente stoner, aunque ellos lo nieguen.
Al fin y al cabo es un estilo emparentado con el grunge, con bandas como los primeros Soundgarden, Mudhoney o Alice In Chains.
Hoy día existen bandas con una gran dosis de rock clásico, como fue Black Sabbath, con toques de psicodelia e incluso punk y pop.
Todos se apoyan en riffs intensos y el sonido de los grandes del rock clásico de los '70.
El grupo más famoso stoner rock actualmente es Queens Of The Stone Age, aunque ultimamente se están alejando de sus raíces.
También podemos citar a Monster Magnet o Fu Manchu.
Sin embargo, el género se ha ido devaluando con el paso del tiempo, especialmente con el fin de la década de los '90.
Rock desértico
El stoner rock esta muy ligado al rock desértico, o desert rock, un término, más que un género musical, con el que se asocia, principalmente, a las bandas de la escena musical de Palm Desert, California.
Su sonido se basa en una importante influencia de la música latina, ritmos de percusión repetitivos y elementos de psicodelia.
El término fue previamente aplicado, en los años 80, a un tipo de punk psicodélico con influencias de country, que geralmente evocaban a zonas desérticas, caracterizado por pasajes instrumentales y letras que hablaban de gente marginal. Esta generación de desert rockers estaba centrada en el área de Arizona, particularmente en Tucson, a pesares de que muchas bandas tenían fuertes lazos de unión con la escena musical de California, trasladándose muchas de ellas ciudades como Los Angeles.
Grupos de Stoner Rock
Boris, Down, Eagles of Death Metal, Electric Wizard, Fu Manchu, Monster Magnet, Pentagram, Queens of the stone age, Sleep, Trouble, Unida, Verdena, Wolfmother, Barba Roja
Orígenes musicales: Rock psicodélico, hard rock, doom metal, blues-rock.
Orígenes culturales: Años 70 en California.
Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería.
Popularidad: Mucha popularidad entre los aficionados introducidos al rock, sobre todo en los años 90. Poca entre el gran público.
El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock con gran influencia del rock psicodélico de principios de los setenta.
Está conectado tanto con el Rock alternativo como con el Heavy metal.
Historia
A veces mal confundido con el sludge metal, el stoner rock, frecuentemente llamado desert rock, o bong rock por sus referencias obvias al consumo de THC, se caracteriza por el sonido duro, pesado y afinado en escalas bajas de los grupos que pregonan este estilo, proveniente del hard rock de los años '65 - '73, cuyas influencias son: Jimi Hendrix, Blue Cheer, Mountain, Free, Nazareth o Cream.
El término stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa el que fuma marihuana.
Esto se debe a que muchas de las composiciones dentro de este estilo fueron creadas bajo la influencia de esta droga psicodélica.
Sin embargo, no todos los grupos de stoner rock han de considerarse fumadores de esta sustancia, y viceversa, ya que, por ejemplo, Pantera incluía imágenes de la planta de cannabis en las camisetas de sus giras, siendo este un grupo de thrash metal.
El stoner rock se originó en EE. UU. a principios de los '90, especialmente en la ciudad de Palm Springs, California.
Los californianos Kyuss son considerados los inventores del género, aunque bandas como Masters of Reality y Yawning Man ya experimentaran antes con riffs de los '70. Para algunos Kyuss es la única banda netamente stoner, aunque ellos lo nieguen.
Al fin y al cabo es un estilo emparentado con el grunge, con bandas como los primeros Soundgarden, Mudhoney o Alice In Chains.
Hoy día existen bandas con una gran dosis de rock clásico, como fue Black Sabbath, con toques de psicodelia e incluso punk y pop.
Todos se apoyan en riffs intensos y el sonido de los grandes del rock clásico de los '70.
El grupo más famoso stoner rock actualmente es Queens Of The Stone Age, aunque ultimamente se están alejando de sus raíces.
También podemos citar a Monster Magnet o Fu Manchu.
Sin embargo, el género se ha ido devaluando con el paso del tiempo, especialmente con el fin de la década de los '90.
Rock desértico
El stoner rock esta muy ligado al rock desértico, o desert rock, un término, más que un género musical, con el que se asocia, principalmente, a las bandas de la escena musical de Palm Desert, California.
Su sonido se basa en una importante influencia de la música latina, ritmos de percusión repetitivos y elementos de psicodelia.
El término fue previamente aplicado, en los años 80, a un tipo de punk psicodélico con influencias de country, que geralmente evocaban a zonas desérticas, caracterizado por pasajes instrumentales y letras que hablaban de gente marginal. Esta generación de desert rockers estaba centrada en el área de Arizona, particularmente en Tucson, a pesares de que muchas bandas tenían fuertes lazos de unión con la escena musical de California, trasladándose muchas de ellas ciudades como Los Angeles.
Grupos de Stoner Rock
Boris, Down, Eagles of Death Metal, Electric Wizard, Fu Manchu, Monster Magnet, Pentagram, Queens of the stone age, Sleep, Trouble, Unida, Verdena, Wolfmother, Barba Roja
martes, 26 de octubre de 2010
PROGRAMA Nº 66 ROCK SUREÑO
Rock sureño
Orígenes musicales: Rock and roll, Blues rock, Country, Blues.
Orígenes culturales: Sur de los Estados Unidos.
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Slide Guitar, Batería, Bajo, Voz, Piano.
Popularidad: Alta durante la década de 1970 y comienzos de la de 1980, media desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.
Fecha de origen: A finales de la década de 1960 y comienzos de la década de 1970.
El southern rock o rock sureño es un subgénero del rock nacido en los Estados Unidos como una mezcla entre rock and roll, country y blues y enfocado especialmente en la guitarra y la voz.
En ocasiones, esta denominación se solapa con otras como Country rock y Folk rock.
50's y 60's: Raíces
Los orígenes de la música rock recayeron principalmente en los habitantes del sur de los Estados Unidos, de donde provenían muchas de las primeras estrellas del género como Elvis Presley, Little Richard, Bo Diddley o Jerry Lee Lewis.
Sin embargo, la invasión británica de los años 60's popularizó el folk rock y el rock psicodélico y trasladó el centro neurálgico del estilo desde el rural americano hasta grandes ciudades como Liverpool, Londres, Los Angeles, Nueva York o San Francisco.
A finales de los 60's, los californianos Creedence Clearwater Revival y los canadienses The Band revitalizaron los orígenes rurales del rock, siendo una de las raíces del género.
Desde otra perspectiva, bandas de blues rock al estilo tradicional, comenzaron a focalizar la atención de los medios.
The Allman Brothers Band hizo su debut en 1969 y comenzaron a conseguir cierta popularidad gracias a su mezcla de blues, la improvisación del jazz y la inclusión de algunos elementos del country y folk del sur de los Estados Unidos.
70's: Máxima popularidad
Con la nueva década, la popularidad de los Allman Brothers aumentó, hasta el punto de que la muerte de su líder y guitarrista Duane Allman, en 1971, no les ocasionó ningún tipo de pérdida de seguidores, sino que la actividad de la banda continuó hasta 1981, debido a su separación por problemas internos (no obstante, editaron un nuevo disco en 1990).
Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el guitarrista Gregg Allman declaró que el término "southern rock" es redundante: "es como decir rock rock".
Los Allman Brothers firmaron un contrato con Capricorn Records, al igual que otras bandas exponentes del género, como Marshall Tucker Band, Wet Willie o Elvin Bishop Band, todas ellas con orígenes en los estados del sur de EE.UU.
Sin embargo, no todas las bandas formadoras del género contrajeron contratos musicales con Capricorn, como es el caso de Barefoot Jerry y Charlie Daniels Band, que compuso el primer gran éxito del southern rock, "The South's Gonna Do It Again", en 1975.
Un año antes, el propio Charlie Daniels fundó el primer festival de rock sureño, Volunteer Jam, en el estado de Tennessee, que dio a conocer a varias bandas de la época.
Este festival aún se mantiene en activo, y se celebra todos los años en la ciudad de Nolensville, Tennessee.
A comienzos de la década de 1970, varios grupos comenzaron a mezclar el southern rock con el hard rock, con un ritmo más marcado y una interpretación guitarrera más veloz.
El grupo de mayor éxito dentro de esta corriente, y el que más fama alcanzó durante los 70's, fue Lynyrd Skynyrd, un grupo de blues sureño, autores del éxito "Sweet Home Alabama" y que se retiraron del panorama dominante musical después de la muerte de varios de sus miembros en un accidente de avión en 1977.
Otros grupos importantes durante esta época fueron The Outlaws, .38 Special, Molly Hatchet, Blackfoot, Point Blank y Black Oak Arkansas.
Sin embargo, no todos los grupos de southern rock se amoldan a estas características.
Por ejemplo, la banda Atlanta Rhythm Section y Amazing Rhythm Aces enfocaban su trabajo hacia las armonías vocales, mientras que Louisiana's Le Roux mezclaron el boogie con el arena rock, y Sea Level y Dixie Dregs incorporaron elementos del jazz fusión.
80's y 90's: Continuando con la difusión
Hacia el comienzo de la década de 1980, y con Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers Band disueltos, el southern rock comenzó a verse sometido al arena rock.
Con la creciente popularidad de la MTV, géneros como el glam metal o el new wave hicieron que el southern rock se viese relegado a un segundo plano, aunque el grupo Doc Holiday alcanzó un buen número de seguidores durante esa época.
Bandas como Better Than Ezra, Drivin N Crying, Cowboy Mouth, Dash Rip Rock o Third Day ganaron una cierta popularidad en el sudeste de los Estados Unidos durante las décadas de los 80's y 90's.
No obstante, una notable excepción fue la realizada por ZZ Top, que, aunque se creó en los 70's, emergió en los 80's con una gran base de fans gracias al uso del sintetizador.
Otro grupo que consiguió algún éxito en los 80's fue The Georgia Satellites.
Durante los años 90's, los Allman Brothers se reunieron y reanudaron su actividad de conciertos y grabaciones.
A su vez, la vuelta a los escenarios de Lynyrd Skynyrd hizo que algunas emisoras de radio norteamericanas comenzasen a propagar los antiguos éxitos de estas bandas durante la década de 1970.
Grupos como Brothers Brooks iniciaron el siglo XXI con un sonido totalmente influenciado por esas bandas históricas.
Capricorn Records volvió a la actividad, aunque regresó a la bancarrota en la que había entrado a finales de los 70's.
Bandas de rock sureño
Allman Brothers Band, The Black Crowes, Black Stone Cherry, Every Time I Die, Fabulous Thunderbirds, Kings of Leon, Lynyrd Skynyrd, , My Morning Jacket, Pride & Glory, Ram Jam, Rebel Meets Rebel,
Orígenes musicales: Rock and roll, Blues rock, Country, Blues.
Orígenes culturales: Sur de los Estados Unidos.
Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Slide Guitar, Batería, Bajo, Voz, Piano.
Popularidad: Alta durante la década de 1970 y comienzos de la de 1980, media desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.
Fecha de origen: A finales de la década de 1960 y comienzos de la década de 1970.
El southern rock o rock sureño es un subgénero del rock nacido en los Estados Unidos como una mezcla entre rock and roll, country y blues y enfocado especialmente en la guitarra y la voz.
En ocasiones, esta denominación se solapa con otras como Country rock y Folk rock.
50's y 60's: Raíces
Los orígenes de la música rock recayeron principalmente en los habitantes del sur de los Estados Unidos, de donde provenían muchas de las primeras estrellas del género como Elvis Presley, Little Richard, Bo Diddley o Jerry Lee Lewis.
Sin embargo, la invasión británica de los años 60's popularizó el folk rock y el rock psicodélico y trasladó el centro neurálgico del estilo desde el rural americano hasta grandes ciudades como Liverpool, Londres, Los Angeles, Nueva York o San Francisco.
A finales de los 60's, los californianos Creedence Clearwater Revival y los canadienses The Band revitalizaron los orígenes rurales del rock, siendo una de las raíces del género.
Desde otra perspectiva, bandas de blues rock al estilo tradicional, comenzaron a focalizar la atención de los medios.
The Allman Brothers Band hizo su debut en 1969 y comenzaron a conseguir cierta popularidad gracias a su mezcla de blues, la improvisación del jazz y la inclusión de algunos elementos del country y folk del sur de los Estados Unidos.
70's: Máxima popularidad
Con la nueva década, la popularidad de los Allman Brothers aumentó, hasta el punto de que la muerte de su líder y guitarrista Duane Allman, en 1971, no les ocasionó ningún tipo de pérdida de seguidores, sino que la actividad de la banda continuó hasta 1981, debido a su separación por problemas internos (no obstante, editaron un nuevo disco en 1990).
Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el guitarrista Gregg Allman declaró que el término "southern rock" es redundante: "es como decir rock rock".
Los Allman Brothers firmaron un contrato con Capricorn Records, al igual que otras bandas exponentes del género, como Marshall Tucker Band, Wet Willie o Elvin Bishop Band, todas ellas con orígenes en los estados del sur de EE.UU.
Sin embargo, no todas las bandas formadoras del género contrajeron contratos musicales con Capricorn, como es el caso de Barefoot Jerry y Charlie Daniels Band, que compuso el primer gran éxito del southern rock, "The South's Gonna Do It Again", en 1975.
Un año antes, el propio Charlie Daniels fundó el primer festival de rock sureño, Volunteer Jam, en el estado de Tennessee, que dio a conocer a varias bandas de la época.
Este festival aún se mantiene en activo, y se celebra todos los años en la ciudad de Nolensville, Tennessee.
A comienzos de la década de 1970, varios grupos comenzaron a mezclar el southern rock con el hard rock, con un ritmo más marcado y una interpretación guitarrera más veloz.
El grupo de mayor éxito dentro de esta corriente, y el que más fama alcanzó durante los 70's, fue Lynyrd Skynyrd, un grupo de blues sureño, autores del éxito "Sweet Home Alabama" y que se retiraron del panorama dominante musical después de la muerte de varios de sus miembros en un accidente de avión en 1977.
Otros grupos importantes durante esta época fueron The Outlaws, .38 Special, Molly Hatchet, Blackfoot, Point Blank y Black Oak Arkansas.
Sin embargo, no todos los grupos de southern rock se amoldan a estas características.
Por ejemplo, la banda Atlanta Rhythm Section y Amazing Rhythm Aces enfocaban su trabajo hacia las armonías vocales, mientras que Louisiana's Le Roux mezclaron el boogie con el arena rock, y Sea Level y Dixie Dregs incorporaron elementos del jazz fusión.
80's y 90's: Continuando con la difusión
Hacia el comienzo de la década de 1980, y con Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers Band disueltos, el southern rock comenzó a verse sometido al arena rock.
Con la creciente popularidad de la MTV, géneros como el glam metal o el new wave hicieron que el southern rock se viese relegado a un segundo plano, aunque el grupo Doc Holiday alcanzó un buen número de seguidores durante esa época.
Bandas como Better Than Ezra, Drivin N Crying, Cowboy Mouth, Dash Rip Rock o Third Day ganaron una cierta popularidad en el sudeste de los Estados Unidos durante las décadas de los 80's y 90's.
No obstante, una notable excepción fue la realizada por ZZ Top, que, aunque se creó en los 70's, emergió en los 80's con una gran base de fans gracias al uso del sintetizador.
Otro grupo que consiguió algún éxito en los 80's fue The Georgia Satellites.
Durante los años 90's, los Allman Brothers se reunieron y reanudaron su actividad de conciertos y grabaciones.
A su vez, la vuelta a los escenarios de Lynyrd Skynyrd hizo que algunas emisoras de radio norteamericanas comenzasen a propagar los antiguos éxitos de estas bandas durante la década de 1970.
Grupos como Brothers Brooks iniciaron el siglo XXI con un sonido totalmente influenciado por esas bandas históricas.
Capricorn Records volvió a la actividad, aunque regresó a la bancarrota en la que había entrado a finales de los 70's.
Bandas de rock sureño
Allman Brothers Band, The Black Crowes, Black Stone Cherry, Every Time I Die, Fabulous Thunderbirds, Kings of Leon, Lynyrd Skynyrd, , My Morning Jacket, Pride & Glory, Ram Jam, Rebel Meets Rebel,
martes, 5 de octubre de 2010
PROGRAMA Nº 65 SKATE PUNK
Skate punk
Se conoce como skate punk o skatecore a una serie de grupos y subestilos musicales basados en el punk rock, que han sido especialmente populares en los ambientes de la subcultura que rodea al deporte del skateboarding.
Punk y skate
La mayoría de bandas skate punk son hardcore punk, incluyendo variantes como pop punk, hardcore melódico, straight edge, etc.
Estas corrientes generan melodías rápidas, fuertes e intensas, emociones semejantes a las que se experimentan al practicar el skateboarding.
EL skateboarding, Snowboarding , al igual que el surf del que es originario, siempre ha sido caldo de cultivo para subculturas y tendencias musicales y artísticas, como expresión de experiencias particulares que se viven en torno a esas actividades deportivas, los vínculos sociales que genera, y las filosofías que puedan surgire de ello.
A menudo se suele asociar con estilos musicales fuertes, enérgicos e incluso agresivos, como complemento, expresión o estímulo para la práctica de la actividad deportiva y su sensación de flujo de adrenalina.
Las primeras bandas que pasaron a contarse como Skate Punk fueron: Tales of Terror,Bad Brains, Teen Idles, D.R.I, Minor Threat, Black Flag, 7 seconds,Bad Religion, Dead Kennedys, desde los 70 y 80; NOFX, The Descendents, The Offspring, Pennywise, Burning Heads, Massacre desde finales de los 80...
Seguidas por muchas otras que se vieron aparecer con la explosión del punk rock a nivel mundial en los 90, como una de las principales: Nitro Records, uno de los sellos más importantes del punk rock estadounidense, Reset, Blink-182, Goldfinger, Green Day, Millencolin, Satanic Surfers, No Fun at All, No Use for a Name, Raised Fist, MxPx, Lagwagon, Pulley, The Faction, Rancid. Y más tarde grupos como Rufio, Big Wig y Sum 41.
Historia
La música y el movimiento punk y el mundo del skateboarding emergieron prácticamente al mismo tiempo y coincidiendo en muchos lugares.
La fusión de ambas tendencias fue especialmente evidente en California (Estados Unidos), de donde es originario este deporte.
Muchos jóvenes de los años 80 y 90 iban creando el espacio de lo que se convirtió en la subcultura del skate.
Los ambientes musicales, conciertos, zines estaban próximos a las personas y lugares donde más se practicaba el skate, y ambos fueron desarrollándose como formas de vida de un modo más o menos paralelo o conjunto.
La cultura skater siempre estuvo vinculada a corrientes underground de música y arte.
Los skaters acudían a los conciertos o compraban los primeros discos de punk underground.
Más tarde algunas revistas dedicadas al skate publicaban o regalaban discos de bandas de punk y hardcore u organizaban conciertos.
En los vídeos dedicados al monopatín, editados por los fabricantes de material y ropa para skaters, frecuentemente aparecían músicas vanguardistas como banda sonora, entre las que se incluyen influencias de punk.
Durante los 80 y 90, algunos vídeos estaban sonorizados, por completo o casi, con punk y hardcore: ejemplos de esto son "Troops of tomorrow" de Santa Cruz Skateboards y "Hot Batch" de Powell Peralta.
Algunos músicos hardcore punk adoptaron en cierto modo el skate, y a veces el surf, como deporte oficial de la cultura hardcore, apareciendo la temática del monopatín en canciones, como "Skate and destroy" de the faction, el nombre de la banda Uncle Slam (Slam se utiliza para nombrar al stage diving en el punk, pero también significa caída o accidente practicando el skate.
El nombre de la banda ironiza sobre el Tío Sam=Uncle Sam.).
También aparecieron trabajos artísticos que representaban la fusión de ambas culturas, como dibujos de esqueletos realizando acrobacias sobre un monopatín, etc.
La relación entre el punk y el skate siempre ha sido especialmente estrecha, de tal modo que cierta parte de ambas subculturas se considera territorio común de las dos. Además de la música, algunos detalles que ejemplifican esto pueden ser:
• La estética de calaveras, peinados, cadenas, ropa ajada, símbolos anarquistas, etc., típicos del punk.
• El lema "skate and destroy", popularizado por la revista Thrasher.
• La idea de pertenencia a una tendencia marginal o transgresora de los roles sociales y urbanísticos.
El skate ha sido ilegalizado en muchos sitios por suponer peligro al tráfico público, destrucción del mobiliario urbano, o allanamiento de la propiedad privada -en la búsqueda de piscinas vacías para utilizarlas como rampas de patinaje.
Estas situaciones aparecen ilustradas en películas como "Al filo del abismo"
protagonizada por algunos skaters de Powell Peralta.
La banda californiana Pennywise realizó en el 96 un videoclip para su tema "Same Old Story" en el que se describen todas estas situaciones y la sensación de una cultura juvenil incomprendida por los padres.
A mediados de los 80 la banda Bad Religion editó el disco "Suffer" que representaría la inauguración de un nuevo estilo: el hardcore melódico.
Su siguiente disco "No Control" fue la consolidación del género, y la revista de skateboarding norteamericana Thrasher lo eligió como regalo a los subscriptores, conviertiéndolo en una de las piedras angulares del skate punk.
Imitando el estilo de Bad Religion, aparecieron numerosas bandas californianas.
En aquél momento, ser skater o surfer y aficionado al punk en California ya era una nueva subcultura.
Los estilos melódicos de las bandas de punk californiano se convirtieron en un género profusamente imitado mundialmente, por grupos dentro y fuera del mundillo skater, dando lugar a lo que se conoce como skate punk o skate core.
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 58 "Rumble" Link Wray(1958).
Se conoce como skate punk o skatecore a una serie de grupos y subestilos musicales basados en el punk rock, que han sido especialmente populares en los ambientes de la subcultura que rodea al deporte del skateboarding.
Punk y skate
La mayoría de bandas skate punk son hardcore punk, incluyendo variantes como pop punk, hardcore melódico, straight edge, etc.
Estas corrientes generan melodías rápidas, fuertes e intensas, emociones semejantes a las que se experimentan al practicar el skateboarding.
EL skateboarding, Snowboarding , al igual que el surf del que es originario, siempre ha sido caldo de cultivo para subculturas y tendencias musicales y artísticas, como expresión de experiencias particulares que se viven en torno a esas actividades deportivas, los vínculos sociales que genera, y las filosofías que puedan surgire de ello.
A menudo se suele asociar con estilos musicales fuertes, enérgicos e incluso agresivos, como complemento, expresión o estímulo para la práctica de la actividad deportiva y su sensación de flujo de adrenalina.
Las primeras bandas que pasaron a contarse como Skate Punk fueron: Tales of Terror,Bad Brains, Teen Idles, D.R.I, Minor Threat, Black Flag, 7 seconds,Bad Religion, Dead Kennedys, desde los 70 y 80; NOFX, The Descendents, The Offspring, Pennywise, Burning Heads, Massacre desde finales de los 80...
Seguidas por muchas otras que se vieron aparecer con la explosión del punk rock a nivel mundial en los 90, como una de las principales: Nitro Records, uno de los sellos más importantes del punk rock estadounidense, Reset, Blink-182, Goldfinger, Green Day, Millencolin, Satanic Surfers, No Fun at All, No Use for a Name, Raised Fist, MxPx, Lagwagon, Pulley, The Faction, Rancid. Y más tarde grupos como Rufio, Big Wig y Sum 41.
Historia
La música y el movimiento punk y el mundo del skateboarding emergieron prácticamente al mismo tiempo y coincidiendo en muchos lugares.
La fusión de ambas tendencias fue especialmente evidente en California (Estados Unidos), de donde es originario este deporte.
Muchos jóvenes de los años 80 y 90 iban creando el espacio de lo que se convirtió en la subcultura del skate.
Los ambientes musicales, conciertos, zines estaban próximos a las personas y lugares donde más se practicaba el skate, y ambos fueron desarrollándose como formas de vida de un modo más o menos paralelo o conjunto.
La cultura skater siempre estuvo vinculada a corrientes underground de música y arte.
Los skaters acudían a los conciertos o compraban los primeros discos de punk underground.
Más tarde algunas revistas dedicadas al skate publicaban o regalaban discos de bandas de punk y hardcore u organizaban conciertos.
En los vídeos dedicados al monopatín, editados por los fabricantes de material y ropa para skaters, frecuentemente aparecían músicas vanguardistas como banda sonora, entre las que se incluyen influencias de punk.
Durante los 80 y 90, algunos vídeos estaban sonorizados, por completo o casi, con punk y hardcore: ejemplos de esto son "Troops of tomorrow" de Santa Cruz Skateboards y "Hot Batch" de Powell Peralta.
Algunos músicos hardcore punk adoptaron en cierto modo el skate, y a veces el surf, como deporte oficial de la cultura hardcore, apareciendo la temática del monopatín en canciones, como "Skate and destroy" de the faction, el nombre de la banda Uncle Slam (Slam se utiliza para nombrar al stage diving en el punk, pero también significa caída o accidente practicando el skate.
El nombre de la banda ironiza sobre el Tío Sam=Uncle Sam.).
También aparecieron trabajos artísticos que representaban la fusión de ambas culturas, como dibujos de esqueletos realizando acrobacias sobre un monopatín, etc.
La relación entre el punk y el skate siempre ha sido especialmente estrecha, de tal modo que cierta parte de ambas subculturas se considera territorio común de las dos. Además de la música, algunos detalles que ejemplifican esto pueden ser:
• La estética de calaveras, peinados, cadenas, ropa ajada, símbolos anarquistas, etc., típicos del punk.
• El lema "skate and destroy", popularizado por la revista Thrasher.
• La idea de pertenencia a una tendencia marginal o transgresora de los roles sociales y urbanísticos.
El skate ha sido ilegalizado en muchos sitios por suponer peligro al tráfico público, destrucción del mobiliario urbano, o allanamiento de la propiedad privada -en la búsqueda de piscinas vacías para utilizarlas como rampas de patinaje.
Estas situaciones aparecen ilustradas en películas como "Al filo del abismo"
protagonizada por algunos skaters de Powell Peralta.
La banda californiana Pennywise realizó en el 96 un videoclip para su tema "Same Old Story" en el que se describen todas estas situaciones y la sensación de una cultura juvenil incomprendida por los padres.
A mediados de los 80 la banda Bad Religion editó el disco "Suffer" que representaría la inauguración de un nuevo estilo: el hardcore melódico.
Su siguiente disco "No Control" fue la consolidación del género, y la revista de skateboarding norteamericana Thrasher lo eligió como regalo a los subscriptores, conviertiéndolo en una de las piedras angulares del skate punk.
Imitando el estilo de Bad Religion, aparecieron numerosas bandas californianas.
En aquél momento, ser skater o surfer y aficionado al punk en California ya era una nueva subcultura.
Los estilos melódicos de las bandas de punk californiano se convirtieron en un género profusamente imitado mundialmente, por grupos dentro y fuera del mundillo skater, dando lugar a lo que se conoce como skate punk o skate core.
LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 58 "Rumble" Link Wray(1958).
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