PROGRAMA Nº 68 SURF ROCK

Surf rock

El surf rock es un subgénero de la música rock practicado por músicos aficionados al surf, especialmente entre los años 50, 60 y 70 en California, muy similar a algunas formas de garage rock.
La alineación básica de una banda surf consiste en guitarra líder, guitarra rítmica, bajo y batería, aunque es común el uso de otros instrumentos como saxofón y órgano. El surf es considerado el primer género musical que incluyó el bajo eléctrico en su alineación.
Desde un principio las bandas surf han optado por utilizar principalmente instrumentos musicales de la compañía Fender, generalmente guitarras como la Stratocaster, Jaguar o Jazzmaster; Precision Bass para el bajo, así como amplificadores de la misma marca.
Esto es en gran parte debido al sonido tan característico que proporcionan estos instrumentos que se ajustaba a la perfección con el sonido que las bandas requerían.

Sus características más comunes son:

• El uso de reverb como efecto principal de las guitarras. Para ello se utilizaban unidades externas de reverberación a base de resortes o las unidades internas que venían incluidas en algunos amplificadores de la época, como el Fender Twin Reverb. Además del uso de otros efectos como el tremolo y el fuzz.

• Generalmente ritmos rápidos, o bien simples y machacones, pero casi siempre bailables.

• Tonadas de guitarra melódicas pero con movimientos de púa rápidos y fréneticos, conocidos como tremolo picking.

• Acompañamientos de bajo también rápidos.

• Generalmente son temas instrumentales, pero también hay temas cantados y baladas.
Con dicho estilo rápido intentaban transmitir las sensaciones que se viven sobre la ola y las ganas de diversión.

Con las canciones más suaves ilustraban las sensaciones de sosiego que transmite la vida en la playa.
El tema más popular de este estilo es Misirlou de Dick Dale & The Deltones, incluido como tema principal de la banda sonora de Pulp Fiction de Quentin Tarantino en los 90.
Historia

Cuando el rock instrumental empezó a girar la vista al surf, la playa ya era un lugar muy familiar para la gran mayoría de adolescentes del sur de California.
Y el surf era la moda del momento, la continuación de la sociedad apática de los 50 americanos.
Lo cool, en definitiva. Era la representación de una vida divertida, natural, en contacto con la naturaleza, la playa y las chicas.
Con lo cual estaba claro que iba a atraer a un montón de gente más allá de aquellos que sintieron la llamada de la práctica del surf como deporte.
Muchos de ellos eran músicos o descubrieron que querían serlo.
Y, como sucede habitualmente, tendían a cantar y escribir sobre su entorno.
Y lo que veían en su entorno no era otra cosa que el surfin' way of life.
Así que era fácil intuir que una cosa iba a llevar a la otra.
Lo que hoy llamamos surf pop o surf vocal no es música surf, sino música sobre surf. Cómo siempre, hay dudas sobre su paternidad.
En este caso se considera aceptado bastante unánimemente que la primera canción sobre surf fue "Surfin" de los Beach Boys, publicada por primera vez en una minúscula discográfica llamada Candix a principios de Diciembre de 1962.
Cuentan que la idea fue de Dennis Wilson, el único de los hermanos que se enamoró del surf, el que quería probar todo lo nuevo.
Se enamoró tanto del surf que propuso escribir una canción, que finalmente incluyó también en los créditos a Brian Wilson y Mike Love.
Aunque para ser justos deberíamos recordar que los míticos "bop, bop, dit, dit" de "Surfin'" estaban directamente heredados de un tema de 1959 llamado "Baby talk" obra de... Jan & Dean.
Sí, los amigos californianos de los Beach Boys, que rápidamente incorporaron toda la parafernalia surf y hot rod a sus composiciones y se integraron sin problemas en el género.
El surf vocal es un pop sencillo de describir: canciones que añadían melodías y armonías vocales (combinaciones de varias voces) heredadas del doo woop y los grupos vocales de los 50 (como The Four Freshmen, el grupo favorito de Brian Wilson) a los ritmos básicos del incipiente surf rock.
El relativo éxito de "Surfin'", que incluyó una continuación que incorporaba temas como "Surfer girl" o "Surfin' safari" indujo la aparición de nuevas bandas.
Todos querían hablar del surf, fotografiarse con tablas y escribir sobre una forma de vida que llenaba las expectativas de toda una generación de californianos, gente llegada de otras partes del país, y gente que no se movía de otras partes del país pero a la que le gustaba la idea que se transmitía de la vida en California.
Así surgieron infinidad de nuevas bandas, cada una con su pequeña o gran historia detrás.
En sus letras, álbumes y portadas hablaban con ingenuidad de lo que vivían, y las canciones eran emotivas, adictivas y brillantes.
Tanto, que durante un tiempo se denominó también a este estilo "sunshine pop".
Y no es una mala descripción, pop brillante como el sol californiano.
Unas cuantas bandas han pasado a la historia como representantes antológicos de esta hornada inicial del estilo, aunque hubieron muchísimas más.
Jan & Dean dejaron "Ride the wild surf", The Surfaris "Surfer Joe", The Trashmen (Minneapolis) "Surfin' bird" o The Rivieras (Arizona) "California sun", todo ello en los primeros cuatro o cinco años de la década de los 60.
No se puede hablar de la historia del surf vocal sin mencionar el nombre de Gary Usher.
Su nombre aparece de una manera u otra en infinidad de las grabaciones más interesantes hechas en California en los primeros 60. Co-escribió muchos temas con Brian Wilson, cantó él mismo, fue productor de muchas bandas, fundó los Hondells y animó a iniciarse a numerosas bandas.
Usher fue un personaje clave en el arranque del género.
¿Y porque se acabó todo eso? Pues por culpa de lo que se llamó la "British Invasion".
En pocas palabras, América descubrió a los Beatles y todo lo que vino después.
Y el surf no pudo soportar su empuje y sucumbió a la nueva moda.
Algunos grupos intentaron adaptarse, pero nada fue lo mismo ni la evolución de la sociedad hacia un mayor compromiso con el entorno ayudó.
Por eso, la gran mayoría de composiciones y bandas de surf están datadas entre 1961 y 1965.
Y hoy queda el recuerdo de ocho o diez grandísimas canciones que conoce todo el mundo y varios centenares más aún por descubrir, igual de buenas, hechas por grupos que no pudieron darse a conocer en aquel momento.
Y grupos de rock contemporáneo cuyas versiones siguen recordando y/o homenajeando la importancia de un género a veces infravalorado por su hedonismo aparente, pero cuya calidad musical e importancia histórica hoy ya está fuera de duda.
Por ejemplo los Ramones y sus versiones de "Surfin' bird" y "California sun", Yo La Tengo y su versión de "Little Honda" o The Jesus & Mary Chain y sus relecturas de "Surf city" ("Kill surf city") o "Surfin USA".
Y bandas que, en California (Drifting Sand), o en Europa (The Surfin' Lungs) siguen empeñadas en disfrutar componiendo odas al verano y la diversión.

Artistas

Dick Dale, The Ventures, Palmerita Surf, The Revels, The Shadows, Los Straitjackets, The Trashmen, The Space Cossacks, Lost Acapulco, The Aquamarines, The Beach Boys, Sr. Bikini, The Nebulas, The Longboards, The Bomboras, The Tormentos, Los Gordos, Los Tiki Phantoms, Los Coronas

PROGRAMA Nº 67 STONER ROCK

Stoner rock

Orígenes musicales: Rock psicodélico, hard rock, doom metal, blues-rock.

Orígenes culturales: Años 70 en California.

Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería.

Popularidad: Mucha popularidad entre los aficionados introducidos al rock, sobre todo en los años 90. Poca entre el gran público.

El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock con gran influencia del rock psicodélico de principios de los setenta.
Está conectado tanto con el Rock alternativo como con el Heavy metal.

Historia

A veces mal confundido con el sludge metal, el stoner rock, frecuentemente llamado desert rock, o bong rock por sus referencias obvias al consumo de THC, se caracteriza por el sonido duro, pesado y afinado en escalas bajas de los grupos que pregonan este estilo, proveniente del hard rock de los años '65 - '73, cuyas influencias son: Jimi Hendrix, Blue Cheer, Mountain, Free, Nazareth o Cream.
El término stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa el que fuma marihuana.
Esto se debe a que muchas de las composiciones dentro de este estilo fueron creadas bajo la influencia de esta droga psicodélica.
Sin embargo, no todos los grupos de stoner rock han de considerarse fumadores de esta sustancia, y viceversa, ya que, por ejemplo, Pantera incluía imágenes de la planta de cannabis en las camisetas de sus giras, siendo este un grupo de thrash metal.
El stoner rock se originó en EE. UU. a principios de los '90, especialmente en la ciudad de Palm Springs, California.
Los californianos Kyuss son considerados los inventores del género, aunque bandas como Masters of Reality y Yawning Man ya experimentaran antes con riffs de los '70. Para algunos Kyuss es la única banda netamente stoner, aunque ellos lo nieguen.
Al fin y al cabo es un estilo emparentado con el grunge, con bandas como los primeros Soundgarden, Mudhoney o Alice In Chains.
Hoy día existen bandas con una gran dosis de rock clásico, como fue Black Sabbath, con toques de psicodelia e incluso punk y pop.
Todos se apoyan en riffs intensos y el sonido de los grandes del rock clásico de los '70.
El grupo más famoso stoner rock actualmente es Queens Of The Stone Age, aunque ultimamente se están alejando de sus raíces.
También podemos citar a Monster Magnet o Fu Manchu.
Sin embargo, el género se ha ido devaluando con el paso del tiempo, especialmente con el fin de la década de los '90.

Rock desértico

El stoner rock esta muy ligado al rock desértico, o desert rock, un término, más que un género musical, con el que se asocia, principalmente, a las bandas de la escena musical de Palm Desert, California.
Su sonido se basa en una importante influencia de la música latina, ritmos de percusión repetitivos y elementos de psicodelia.
El término fue previamente aplicado, en los años 80, a un tipo de punk psicodélico con influencias de country, que geralmente evocaban a zonas desérticas, caracterizado por pasajes instrumentales y letras que hablaban de gente marginal. Esta generación de desert rockers estaba centrada en el área de Arizona, particularmente en Tucson, a pesares de que muchas bandas tenían fuertes lazos de unión con la escena musical de California, trasladándose muchas de ellas ciudades como Los Angeles.

Grupos de Stoner Rock

Boris, Down, Eagles of Death Metal, Electric Wizard, Fu Manchu, Monster Magnet, Pentagram, Queens of the stone age, Sleep, Trouble, Unida, Verdena, Wolfmother, Barba Roja

PROGRAMA Nº 66 ROCK SUREÑO

Rock sureño

Orígenes musicales: Rock and roll, Blues rock, Country, Blues.

Orígenes culturales: Sur de los Estados Unidos.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Slide Guitar, Batería, Bajo, Voz, Piano.

Popularidad: Alta durante la década de 1970 y comienzos de la de 1980, media desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.

Fecha de origen: A finales de la década de 1960 y comienzos de la década de 1970.


El southern rock o rock sureño es un subgénero del rock nacido en los Estados Unidos como una mezcla entre rock and roll, country y blues y enfocado especialmente en la guitarra y la voz.
En ocasiones, esta denominación se solapa con otras como Country rock y Folk rock.

50's y 60's: Raíces

Los orígenes de la música rock recayeron principalmente en los habitantes del sur de los Estados Unidos, de donde provenían muchas de las primeras estrellas del género como Elvis Presley, Little Richard, Bo Diddley o Jerry Lee Lewis.
Sin embargo, la invasión británica de los años 60's popularizó el folk rock y el rock psicodélico y trasladó el centro neurálgico del estilo desde el rural americano hasta grandes ciudades como Liverpool, Londres, Los Angeles, Nueva York o San Francisco.
A finales de los 60's, los californianos Creedence Clearwater Revival y los canadienses The Band revitalizaron los orígenes rurales del rock, siendo una de las raíces del género.
Desde otra perspectiva, bandas de blues rock al estilo tradicional, comenzaron a focalizar la atención de los medios.
The Allman Brothers Band hizo su debut en 1969 y comenzaron a conseguir cierta popularidad gracias a su mezcla de blues, la improvisación del jazz y la inclusión de algunos elementos del country y folk del sur de los Estados Unidos.

70's: Máxima popularidad

Con la nueva década, la popularidad de los Allman Brothers aumentó, hasta el punto de que la muerte de su líder y guitarrista Duane Allman, en 1971, no les ocasionó ningún tipo de pérdida de seguidores, sino que la actividad de la banda continuó hasta 1981, debido a su separación por problemas internos (no obstante, editaron un nuevo disco en 1990).
Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el guitarrista Gregg Allman declaró que el término "southern rock" es redundante: "es como decir rock rock".
Los Allman Brothers firmaron un contrato con Capricorn Records, al igual que otras bandas exponentes del género, como Marshall Tucker Band, Wet Willie o Elvin Bishop Band, todas ellas con orígenes en los estados del sur de EE.UU.
Sin embargo, no todas las bandas formadoras del género contrajeron contratos musicales con Capricorn, como es el caso de Barefoot Jerry y Charlie Daniels Band, que compuso el primer gran éxito del southern rock, "The South's Gonna Do It Again", en 1975.
Un año antes, el propio Charlie Daniels fundó el primer festival de rock sureño, Volunteer Jam, en el estado de Tennessee, que dio a conocer a varias bandas de la época.
Este festival aún se mantiene en activo, y se celebra todos los años en la ciudad de Nolensville, Tennessee.
A comienzos de la década de 1970, varios grupos comenzaron a mezclar el southern rock con el hard rock, con un ritmo más marcado y una interpretación guitarrera más veloz.
El grupo de mayor éxito dentro de esta corriente, y el que más fama alcanzó durante los 70's, fue Lynyrd Skynyrd, un grupo de blues sureño, autores del éxito "Sweet Home Alabama" y que se retiraron del panorama dominante musical después de la muerte de varios de sus miembros en un accidente de avión en 1977.
Otros grupos importantes durante esta época fueron The Outlaws, .38 Special, Molly Hatchet, Blackfoot, Point Blank y Black Oak Arkansas.
Sin embargo, no todos los grupos de southern rock se amoldan a estas características.
Por ejemplo, la banda Atlanta Rhythm Section y Amazing Rhythm Aces enfocaban su trabajo hacia las armonías vocales, mientras que Louisiana's Le Roux mezclaron el boogie con el arena rock, y Sea Level y Dixie Dregs incorporaron elementos del jazz fusión.

80's y 90's: Continuando con la difusión

Hacia el comienzo de la década de 1980, y con Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers Band disueltos, el southern rock comenzó a verse sometido al arena rock.
Con la creciente popularidad de la MTV, géneros como el glam metal o el new wave hicieron que el southern rock se viese relegado a un segundo plano, aunque el grupo Doc Holiday alcanzó un buen número de seguidores durante esa época.
Bandas como Better Than Ezra, Drivin N Crying, Cowboy Mouth, Dash Rip Rock o Third Day ganaron una cierta popularidad en el sudeste de los Estados Unidos durante las décadas de los 80's y 90's.
No obstante, una notable excepción fue la realizada por ZZ Top, que, aunque se creó en los 70's, emergió en los 80's con una gran base de fans gracias al uso del sintetizador.
Otro grupo que consiguió algún éxito en los 80's fue The Georgia Satellites.
Durante los años 90's, los Allman Brothers se reunieron y reanudaron su actividad de conciertos y grabaciones.
A su vez, la vuelta a los escenarios de Lynyrd Skynyrd hizo que algunas emisoras de radio norteamericanas comenzasen a propagar los antiguos éxitos de estas bandas durante la década de 1970.
Grupos como Brothers Brooks iniciaron el siglo XXI con un sonido totalmente influenciado por esas bandas históricas.
Capricorn Records volvió a la actividad, aunque regresó a la bancarrota en la que había entrado a finales de los 70's.

Bandas de rock sureño

Allman Brothers Band, The Black Crowes, Black Stone Cherry, Every Time I Die, Fabulous Thunderbirds, Kings of Leon, Lynyrd Skynyrd, , My Morning Jacket, Pride & Glory, Ram Jam, Rebel Meets Rebel,

PROGRAMA Nº 65 SKATE PUNK

Skate punk

Se conoce como skate punk o skatecore a una serie de grupos y subestilos musicales basados en el punk rock, que han sido especialmente populares en los ambientes de la subcultura que rodea al deporte del skateboarding.

Punk y skate

La mayoría de bandas skate punk son hardcore punk, incluyendo variantes como pop punk, hardcore melódico, straight edge, etc.
Estas corrientes generan melodías rápidas, fuertes e intensas, emociones semejantes a las que se experimentan al practicar el skateboarding.
EL skateboarding, Snowboarding , al igual que el surf del que es originario, siempre ha sido caldo de cultivo para subculturas y tendencias musicales y artísticas, como expresión de experiencias particulares que se viven en torno a esas actividades deportivas, los vínculos sociales que genera, y las filosofías que puedan surgire de ello.
A menudo se suele asociar con estilos musicales fuertes, enérgicos e incluso agresivos, como complemento, expresión o estímulo para la práctica de la actividad deportiva y su sensación de flujo de adrenalina.
Las primeras bandas que pasaron a contarse como Skate Punk fueron: Tales of Terror,Bad Brains, Teen Idles, D.R.I, Minor Threat, Black Flag, 7 seconds,Bad Religion, Dead Kennedys, desde los 70 y 80; NOFX, The Descendents, The Offspring, Pennywise, Burning Heads, Massacre desde finales de los 80...
Seguidas por muchas otras que se vieron aparecer con la explosión del punk rock a nivel mundial en los 90, como una de las principales: Nitro Records, uno de los sellos más importantes del punk rock estadounidense, Reset, Blink-182, Goldfinger, Green Day, Millencolin, Satanic Surfers, No Fun at All, No Use for a Name, Raised Fist, MxPx, Lagwagon, Pulley, The Faction, Rancid. Y más tarde grupos como Rufio, Big Wig y Sum 41.

Historia

La música y el movimiento punk y el mundo del skateboarding emergieron prácticamente al mismo tiempo y coincidiendo en muchos lugares.
La fusión de ambas tendencias fue especialmente evidente en California (Estados Unidos), de donde es originario este deporte.
Muchos jóvenes de los años 80 y 90 iban creando el espacio de lo que se convirtió en la subcultura del skate.
Los ambientes musicales, conciertos, zines estaban próximos a las personas y lugares donde más se practicaba el skate, y ambos fueron desarrollándose como formas de vida de un modo más o menos paralelo o conjunto.
La cultura skater siempre estuvo vinculada a corrientes underground de música y arte.
Los skaters acudían a los conciertos o compraban los primeros discos de punk underground.
Más tarde algunas revistas dedicadas al skate publicaban o regalaban discos de bandas de punk y hardcore u organizaban conciertos.
En los vídeos dedicados al monopatín, editados por los fabricantes de material y ropa para skaters, frecuentemente aparecían músicas vanguardistas como banda sonora, entre las que se incluyen influencias de punk.
Durante los 80 y 90, algunos vídeos estaban sonorizados, por completo o casi, con punk y hardcore: ejemplos de esto son "Troops of tomorrow" de Santa Cruz Skateboards y "Hot Batch" de Powell Peralta.
Algunos músicos hardcore punk adoptaron en cierto modo el skate, y a veces el surf, como deporte oficial de la cultura hardcore, apareciendo la temática del monopatín en canciones, como "Skate and destroy" de the faction, el nombre de la banda Uncle Slam (Slam se utiliza para nombrar al stage diving en el punk, pero también significa caída o accidente practicando el skate.
El nombre de la banda ironiza sobre el Tío Sam=Uncle Sam.).
También aparecieron trabajos artísticos que representaban la fusión de ambas culturas, como dibujos de esqueletos realizando acrobacias sobre un monopatín, etc.
La relación entre el punk y el skate siempre ha sido especialmente estrecha, de tal modo que cierta parte de ambas subculturas se considera territorio común de las dos. Además de la música, algunos detalles que ejemplifican esto pueden ser:

• La estética de calaveras, peinados, cadenas, ropa ajada, símbolos anarquistas, etc., típicos del punk.

• El lema "skate and destroy", popularizado por la revista Thrasher.

• La idea de pertenencia a una tendencia marginal o transgresora de los roles sociales y urbanísticos.

El skate ha sido ilegalizado en muchos sitios por suponer peligro al tráfico público, destrucción del mobiliario urbano, o allanamiento de la propiedad privada -en la búsqueda de piscinas vacías para utilizarlas como rampas de patinaje.
Estas situaciones aparecen ilustradas en películas como "Al filo del abismo"
protagonizada por algunos skaters de Powell Peralta.
La banda californiana Pennywise realizó en el 96 un videoclip para su tema "Same Old Story" en el que se describen todas estas situaciones y la sensación de una cultura juvenil incomprendida por los padres.
A mediados de los 80 la banda Bad Religion editó el disco "Suffer" que representaría la inauguración de un nuevo estilo: el hardcore melódico.
Su siguiente disco "No Control" fue la consolidación del género, y la revista de skateboarding norteamericana Thrasher lo eligió como regalo a los subscriptores, conviertiéndolo en una de las piedras angulares del skate punk.
Imitando el estilo de Bad Religion, aparecieron numerosas bandas californianas.
En aquél momento, ser skater o surfer y aficionado al punk en California ya era una nueva subcultura.
Los estilos melódicos de las bandas de punk californiano se convirtieron en un género profusamente imitado mundialmente, por grupos dentro y fuera del mundillo skater, dando lugar a lo que se conoce como skate punk o skate core.


LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 58 "Rumble" Link Wray(1958).

PROGRAMA Nº 64 SKA-PUNK

Ska punk

Orígenes musicales: Ska, Punk rock, Hardcore punk, Reggae.

Orígenes culturales: Estados Unidos y Gran Bretaña a mediados de los 80.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, bajo, trompeta, saxofón tenor, trombón, batería.

Popularidad: Alta en Estados Unidos, años 90s, y baja en los demás países.


El ska-punk es la fusión de los géneros musicales ska y punk.
Las primeras combinaciones de estos dos estilos ocurrió a finales de los 70 cuando el revolucionario contenido lírico del punk llevó a una natural combinación con el reggae y con otros estilos de música similares del Caribe.
El estilo alegre y divertido del ska con trompetas y con una rapidez más propia del punk podrían acercarnos a una idea de este sub-estilo.
El ska-punk puede ser confundido con el ska de tercera ola.
Este añade más guitarras eléctricas quitando un saxofón y ocupa menos el órgano eléctrico.
Podría considerarse como iniciadores de esta escuela de ska punk a The Clash, el grupo punk inglés que fusionara ritmos jamaiquinos, como rocksteady, reggae y dub, sobre todo en London Calling, disco aparecido en 1979 (excelente ejemplo es la canción «Wrong'em Boyo»).
Otra banda reconocida por muchos como la pionera fue Operation Ivy, que combino el hardcore y el punk de la vieja escuela con un ritmo mucho más rápido de ska en muchas de sus canciones.

Grupos de ska punk:

Skalariak, Obrint Pas, La Gran Orquesta Republicana, The Locos, Kortatu, Banda Bassotti, Oveja Negra, Ska-P, Rancid, Sublime, NOFX, Less Than Jake, Goldfinger, Los Rabanes, Asesinos Cereales



LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 59 "Freeway Jam" Jeff Beck(1975).

PROGRAMA Nº 63 ESPECIAL SONISPHERE 2010

CARTEL

BULLET FOR MY VALENTINE

SÔBER

SAXON

SLAYER

SLAYER

HEADCHARGER

MEGADETH

MEGADETH

RAMMSTEIN

RAMMSTEIN

RAMMSTEIN

PROGRAMA Nº 62 ROCKSTEADY

Rocksteady

Orígenes musicales: Ska, Rhythm & Blues.

Orígenes culturales: Sectores populares jamaiquinos.

Fecha de origen: A mediados de 1960.


El Rocksteady es la evolución lógica del ska como rítmo musical.
Se dice que en Jamaica a mediados de los años 60 se vivió una intensa ola de calor; los músicos que subían a los escenarios para presentar sus piezas en ska terminaban agotados por el intenso calor, y el ritmo de sus melodías decreció en cuanto a velocidad se refiere produciendo un efecto "enloquecedor" en el público.
No se sabe a ciencia cierta si esta versión sobre el origen del rocksteady es cierta, lo que sí es cierto, es que el rocksteady era un ska con un tiempo más lento y que tenía como característica la acentuación de los tonos en el bajo y la disminución de la participación de los metales, como el trombón y la trompeta.
El Rocksteady posteriormente dio paso al reggae como música auténticamente jamaicana.
En un principio, el mensaje del rocksteady tenía una profunda conexión con el sector marginado de la población jamaicana, los denominados rudeboys adoptaron al Rocksteady como manifestación de sus sentimientos de repudio al sistema de opresión a las clases populares.

Rocksteady

El Rocksteady es un género musical popularizado en Jamaica entre los años 66 y 68.
El término viene de un estilo bailable mencionado en la canción Rock Steady de Alton Ellis.
La danza del Rocksteady resultó ser más tranquila que su antecesor, el alocado estilo skanking.
Como sucesor del Ska y precursor del sonido Reggae, el Rocksteady fue creado por grupos jamaicanos de armonías vocales como fueron The Gaylads, The Kingstonians, Toots & the Maytals y The Paragons.
La diferencia entre el Ska y el Rocksteady radica en un tempo más cadencioso, un menor uso de Instrumentos de Viento y un uso diferente para el Bajo.
Dentro del Ska, el bajo tiene a tocar cuartos de nota en un Estilo andariego, pero dentro del rocksteady, el papel del bajo es más sincopado y quebrado, siguiendo líneas repetitivas y agresivas que pueden llegar a ser seguidas por una guitarra.

Historia

El rocksteady surgió durante una época en al cual la juventud jamaicana empezaba a sobrepoblar los llamados ghettos de la ciudad de Kingston - en barriadas como Riverton City, Greenwich Town y Trenchtown.
Incluso, Bob Marley cantó y grabó una composición titulada como el género mismo: "Rocksteady".
Pese al optimismo que contagiaba el ambiente posterior a la independencia de la isla, la juventud no pudo compartir este sentimiento.
Muchos de ellos se volvieron delincuentes que demostraban alguna identidad y estilo en ello.
A estos jóvenes se les llamó Rude Boys.

Los Rude Boys

El fenómeno de los rude boys fue contemporaneo del periodo ska, pero cobró fuerza durante la era del rocksteady en canciones como Rude Boy By Gone A Jail (el rude boy que fue a la cárcel) de los Clarendonians; No Good Rudie (rudie nada bueno) de Justin Hinds & the Dominoes y Don't Be Rudie (no seas un rudie) de The Rulers. Aunque se sostiene que el creador del Rocksteady fue Aton Ellis con su éxito Girl I've Got a Date (nena, tengo una cita), existen otros candidatos a tal título, incluido Take it Easy (tómalo con calma), autoría de Hopeton Lewis; Tougher Than Tough (más reci que recio) de Derrick Morgan y Hold Them (literalmente 'sostenlos') de Roy Shirley.
El productor musical Duke Reid dio a conocer el single Girl I've Got a Date de Alton Ellis en su firma discográfica Treasue Isle, así como discos de The Techniques, The Silvertones, The Jamaicans y The Paragons.
El trabajo de Reid junto con estos grupos sirvió para establecer el estilo vocal del Rocksteady.
Los artistas solistas más sobresalientes incluyen los nombres de Delroy Wilson, Bob Andy, Ken Boothe y Phyllis Dillon (conocida también como la Reyna del Rocksteady).

Temáticas

Las letras del Rocksteady van desde temas románticos hasta temáticas de los rude boys - o eran simplemente tonalidades bailables.
En ocasiones, los vocalistas Rocksteady hacían covers de canciones que habían sido éxitos en Estados Unidos.
Los músicos cruciales en la creación de la musica incluían al guitarrista Lynn Taitt, al tecladista Jackie Mittoo, al baterista Winston Greenan, el bajista Jackie Jackson el saxonofista Tommy McCook.

Decadencia

Hubo varios factores que influyeron en la evolución del Rocksteady al Reggae a finales de los años 60.
La migración de los músicos y productores Jackie Mittoo y Lynn Taitt - y el proceso de modernización tecnológica de los estudios jamaicanos - tuvo un efecto marcado en el sonido y el estilo de las grabaciones.
Los patrones de bajo se volvieron más complejos y los arreglos incrementaron su dominio, y el piano tuvo que dar lugar al órgano eléctrico.
Otros desarrollos incluyen instrumentos de viento velados como fondo; una guitarra más 'rascada' y percusiva; y un estilo más preciso e intrincado del uso de la batería.
Para inicios de los años 70, conforme el movimiento Rastafari ganaba popularidad, las canciones se enfocaron menos en los temas románticos que en la conciencia racial, la política y la protesta.
Pese al hecho de que el rocksteady fue una fase transitoria muy corta dentro de la música popular jamaicana, tuvo un rango de influencia para los estilos Reggae y Dancehall que le sucedieron.
Muchas líneas de bajo siguen siendo utilizadas en la música jamaicana contemporánea.



LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 60 "Maggot Brain" Funkadelic(1971).